Rêves impromptus

Orphée et Eurydice

2012-02-17T23:30:00.000-08:00

Stéphane Bullion

Après un premier trimestre morne fait de créations ratées et de reprises en demi-teinte, Orphée et Eurydice est le premier spectacle vraiment enthousiasmant de cette saison 2011-2012 du ballet de l’Opéra de Paris.
Avec Orphée et Eurydice, opéra dansé, Pina Bausch s’approprie un mythe, une musique, un livret qu’elle tire vers le plus noir pessimisme pour créer un spectacle total mais décalé et clivé par rapport à la tradition lyrique. Esthétique de la tristesse, expressionnisme de la douleur, elle utilise la musique de Gluck de manière à la fois fine dans l’écriture chorégraphique fluide du corps de ballet tout en augmentant son oppression, par la simplicité, la répétition mais aussi par le jeu des mouvements bridés, les poses excessives, figées ou ultra-expressives des solistes. Le travail sur le vocabulaire dépouillé dans une dynamique de répétition, à la fois des mouvements mais des variations, confère un apport symbolisé à la narration chantée.

Stéphane Bullion - Maria Riccarda Wesseling

La scénographie de quatre tableaux restitue des thèmes symboliques, Deuil, Violence, Paix et Mort qui rendent lisible le drame aux non familiers de la langue allemande. La très controversée version allemande de l’opéra de Gluck, ici remarquablement jouée par un orchestre baroque, le Balthasar-Neumann Ensemble, n’a sans doute pas été choisie par hasard par Pina Bausch lors de la création à Wuppertal en 1975. En doublant sur scène les danseurs par les chanteurs, elle entendait certainement le commentaire chanté comme essentiel à la richesse de la narration scénique. De fait, beaucoup de temps forts marqués dans la danse sont une illustration littérale du chant, en particulier chez Orphée dans la première partie alors qu’ils ne sont pas forcément soulignés par la musique, plus logiquement par la suite. Mais le texte ne bride pas le danseur qui peut jouer avec la distance comme Stéphane Bullion l’a démontré, puisque l’essentiel du propos est énoncé verbalement. Mais même privé d’une de ses clés, le spectateur non germanophone peut se laisser aller dans le flot esthétique de la narration visuelle pour suivre une histoire d’une simplicité par ailleurs connue.

Stéphane Bullion

Cette lecture est favorisée par le dépouillement conceptuel dans lequel évoluent les danseurs, un psyché de verre, un arbre arraché, un petit monticule de terre dans une cage de verre pour le premier tableau qui dépeignent l’atmosphère à la fois du deuil et de l’effondrement, dans laquelle les silhouettes effacées de l’éploré et celle blanche éclatante d’Amour se détachent parfaitement.

Quelques accessoires symboles de la tentation dans un deuxième tableau à l’espace réduit de panneaux blancs et de hautes chaises, offrent une vision simple et éclairée des enfers stylisés, pas vraiment effrayants mais dynamisés par l’intraitable Cerbère à trois têtes dans une agitation surgie de nulle part.

Stéphane Bullion - Marie Agnès Gillot

La pénombre douce aux sofas et fauteuils de fond de scène engageants favorise une vision des paradis plutôt opaque et sombre, comme indéfinis et mystérieux, préfigurant la fin de l’histoire, comme si Eurydice, à la danse sereine et douce dans une ambiance feutrée, y était bien mieux, même (ou/et surtout) sans Orphée.

Enfin la scène vide, cruelle, lumière blanche agressive pour le dernier tableau où le pale Orphée donne la mort à une Eurydice déchaînée dans ses atours rouge vif, évoluant autour des silhouettes noires des deux cantatrices.

Stéphane Bullion - Maria Riccarda Wesseling

En compagnie de Maria Riccarda Wesseling, Yun Jung Choi et Zoe Nicolaidou, deux distributions radicalement différentes ont alterné sur la scène de l’Opéra Garnier. Suite au trio de la Première Stéphane Bullion/Marie-Agnès Gillot/Muriel Zusperreguy agrémenté du Cerbère de Vincent Chaillet/Vincent Cordier/Aurélien Houette, Nicolas Paul/Alice Renavand/Charlotte Ranson + Audric Bezard/Vincent Chaillet/Alexis Renaud ont pris la scène et des spectacles et attendus complètement différents se sont révélés au public.
Les deux Orphée de cette année effectuaient une prise de rôle. Le choix de ces deux artistes paraissait d’emblée logique à la vue de leurs expériences passées et leur proposition artistique n’a pas déçu. Radicalement différents tout au long de leur parcours solitaire, l’Orphée de Stéphane Bullion est celui de la mortification, celui de Nicolas Paul, de la passion. Ils portent l’histoire à travers des cheminements divergents jusqu’au duo avec Eurydice. Stéphane Bullion et Nicolas Paul, ont choisi intériorisation ou lyrisme par rapport à un pathos expressionniste ou doloriste pour exprimer la douleur de la perte de l’être aimé puis celle de la déception une fois Eurydice retrouvée.

Au-delà de l’écrin dressé et la structure théâtrale posée, l’interprétation des danseurs donne à voir des moments intenses de désarroi humain, et plus que jamais, Stéphane Bullion a livré une composition magistrale en restituant sur scène la sincérité de son moi intime. C’est un rôle auquel son tempérament le destinait et son Orphée s’impose, tant par sa singularité que par son esthétique glacée qui s’inscrivent comme un apport à la composition dramatique de Pina Bausch.

Stéphane Bullion

Stéphane Bullion a présenté un travail d’une finesse extrême sur la quête intérieure des émotions et des sentiments. Dans la première partie de l’œuvre, sa douleur tétanisante n’est jamais extravertie mais s’exhale subtilement et par là même, sa souffrance jamais évacuée évoque angoisse et déchirement. Lorsque parfois elle confère à l’oubli de soi comme dans le deuxième tableau où le poète s’exprime pour charmer Hadès, elle en devient émotionnelle et sublimée d’esthétisme. Sans jamais verser dans un lyrisme qui ne serait pas en accord avec l’intégrité du personnage, elle aboutit presque à un paroxysme ascétique et spirituel qui débouche sur le troisième tableau. Dans la progression de son voyage, il se tient sur une ligne directrice très forte qui part d’un hiératisme rigoriste avec des variations subtiles sur la partition musicale, un rendu nuancé de pudeur, un travail sur la fierté et la volonté de contrôler une douleur pourtant à fleur de peau dans le dernier tableau. Là, grâce à un artifice facial léger, il atteint les sommets d’émotion par une pureté cristalline qui donne à voir le fond de son âme. Cet Orphée est celui de la fêlure. Chaque instant menace de le désagréger mais une force physique prend source dans cette fragilité profonde. Cette puissance émotionnelle s’inscrit parfaitement dans la tension dramatique de l’histoire et s’extériorise peu à peu dans ce dernier tableau où elle est d’une autre nature puis qu’elle ne ressort plus de son angoisse intérieure mais de sa confrontation avec Eurydice, la douleur de l’incompréhension plus insoutenable que celle du deuil.

Stéphane Bullion

Son interprétation va de pair avec la singularité de ses mouvements, maîtrise du sol, gestuelle souple mais serrée, délié du haut du corps emprunt de la même réserve, corps et âme unis dans la souffrance. Il utilise également à merveille l'aspect graphique de la chorégraphie de Pina Bausch. En phase absolue avec son Orphée vocal, spectre noir qui le conduit vers la mort, ils construisent tous les deux une narration riche qui se complète, Stéphane Bullion livrant son interprétation du texte.

Nicolas Paul

Dans une énergie complètement différente presque à l’opposé, Nicolas Paul a choisi de restituer un personnage plus dual, mélange de lyrisme et de fureur non retenue quelquefois, sans toutefois atteindre l’outrance. Son Orphée est vif et spontané, ouvert, presque candide dans sa souffrance et par là même immédiatement touchant. Plus juvénile et moins poète que celui de Stéphane Bullion, sans retenue dans une douleur qu’il veut passionnée mais non doloriste, il donne du souffle et du relief à sa composition théâtrale. Aux pleureurs du corps de ballet, il impose une inconstance qui montre le désarroi de l’être humain là où la posture de Stéphane Bullion est quasiment inhumaine. Sa progression à travers la narration se fait par une danse très caractéristique du vocabulaire de Pina Bausch dans le sens où elle est souvent moins achevée, presque échevelée, restituant la douleur et le mal être par ces simples appuis instables et souvent à la limite. Dans l’esthétique d’ensemble, Stéphane Bullion d’une rigueur absolue semble martyriser son corps souffrant dans l'esthétique statuesque de Pina Bausch alors que Nicolas Paul en exploite le côté recherche, plus optimiste dans ses enchaînements. Sa quête éperdue va souvent de l’avant, s’extériorise dans des gestes amples, en particulier dans le tableau des enfers. Il se dissocie un peu par là-même de la rigueur de Maria Riccarda Wesseling qui semble vivre sa vie comme un commentaire de l’interprétation chorégraphique alors que Nicolas Paul suit le texte à la lettre.

Nicolas Paul

Aux côtés de ces Orphée remarquables, deux Eurydice plus expérimentées mais complètement différentes également. Si le rôle est mineur par rapport à celui d’Orphée, Pina Bausch lui a conféré une position clé dans la tragédie, puisqu’Eurydice ressuscitée, défiante de son amant, provoque leur perte. Elle suit en cela le livret de Gluck mais en coupant la fin heureuse où Amour revient empêcher Orphée de se suicider et lui ranime Eurydice, elle termine son propos sur cette trahison, Orphée mourant alors peut-être plus par déception que par amour.

Stéphane Bullion - Marie-Agnès Gillot

Eurydice de Stéphane Bullion, Marie-Agnès Gillot reprenait là un rôle familier, peut-être trop. Sa danse est spectaculaire et ample mais sacrifie à la démonstration aux dépends de l'investissement dans une interprétation. Par trop simpliste, elle livre une Eurydice plutôt harpie. Sa sérénité dans le troisième tableau parait tout aussi égocentrique que sa douleur dans le quatrième où elle s’affronte à Orphée. Ce choix d’une souffrance expressionniste lui donne trop un aspect narcissique et prédateur lorsqu’elle côtoie la poésie inspirée de Stéphane Bullion.

Nicolas Paul - Alice Renavand

A l’inverse, la partenaire de Nicolas Paul, Alice Renavand livre une interprétation sensible et nuancée. Sa danse aérienne rend parfaitement justice à son rôle de nymphe éplorée et son élégant délié restitue à la fois l’incompréhension et la douleur sans jamais aller trop loin dans les déhanchements, sa complainte est une sorte de reflet poétique de son époux. Elle n’intime rien à l’être aimé, elle ne comprend simplement pas son indifférence et leur duo semble alors plus probable et plus porteur. Et pourtant, son Eurydice, souple et douce, montre autant de souffrance, ses regards en disent plus que des gestes appuyés, son intensité est judicieusement amenée dans les moments clés où elle suscite spontanément la compassion chez le spectateur.

Stéphane Bullion - Muriel Zusperreguy

Le petit rôle d’Amour permet à Muriel Zusperreguy mais aussi à Charlotte Ranson d’apporter un répit dans la tension du premier tableau. Vitesse, légèreté, les deux danseuses rivalisent de mutinerie pour évoquer l’innocence et l’espoir. Muriel Zusperreguy comme Alice Renavand, exemplifie parfaitement un haut du corps aux sinuosités tentatrices très caractéristiques de Pina Bausch et son Amour exhale une fraîcheur qui ne verse jamais dans la niaiserie.

Leur temps de présence réduit autorise ensuite les Amour à rejoindre le corps de ballet qui a peu évolué dans sa composition depuis la dernière reprise, même si la présence lumineuse de Letizia Galloni qui y faisait ses débuts se remarque. Les danseurs sont maîtres de la chorégraphie et leur rapport à la musique et aux chœurs est saisissante, tant dans les moments douloureux du Deuil que dans ceux sereins de la Paix.

(de g à d) Aurélien Houette - Vincent Cordier - Vincent Chaillet & Sébastien Bertaud

Entre temps, la Violence aura permis à Vincent Cordier de rappeler quel excellent choix il fut déjà en 2008 pour la captation vidéo. Difficile en effet de ne pas souligner la présence très forte des danseurs Cerbère, dans les deux distributions, ne serait-ce que parce que physiquement et chorégraphiquement, on pourrait même dire graphiquement, le rôle que leur a dévolu Pina Bausch est primordial. Vincent Chaillet et Vincent Cordier sont des leaders charismatiques. En s’opposant à la douceur d’Orphée qui finira par les charmer pour les faire céder dans le deuxième tableau, ils reviennent presque inexorablement à la fin du ballet comme pour démontrer la supériorité de la violence sur la paix. Cette fin s’inscrit dans la lignée de l’œuvre dramatique où Pina Bausch fait dans son ensemble référence à une humanité sans espoir de rédemption par l’amour qu’elle condamne comme source de malentendu, Orphée et Eurydice ne se plaçant pas dans le même paradigme de sa compréhension, le monde aux aguets prêt à magnifier leur échec.

Nicolas Paul - Alice Renavand - Maria Riccarda Wesseling - Yung Jung Choi

Première d'Orphée et Eurydice, 4 février 2012

2012-02-05T03:53:00.000-08:00

La Première de cette troisième reprise d’Orphée et Eurydice a livré une version régénérée de l’œuvre de Pina Bausch. Cet opéra dansé de Gluck qui mêle étroitement danse et chant dans une ambiance fortement teintée de tristesse, a trouvé dans son interprète principal un contrepoint judicieux à un collectif uniforme. Fortement agrémenté des Premiers danseurs, Vincent Chaillet, Eve Grinsztajn Ludmila Pagliero, Alice Renavand et Muriel Zusperreguy, le corps de ballet est admirable d’humilité et offre à Orphée un écrin d’où sa singulière présence rayonne.
Stéphane Bullion a dépoussiéré l’œuvre de son pathos pour lui donner une force interprétative qui évoque la solitude d’une souffrance intime et le pessimisme le plus noir tout en ne se déparant jamais d’une sincérité touchante.

Héros à la personnalité introvertie, son Orphée oscille entre la violence du désespoir et la douceur romantique d’une tristesse infinie. Impénétrable et d’évidence inconsolable, il tire l’œuvre vers un mysticisme introspectif inspiré contrastant avec l’expressionnisme typique de Pina Bausch qui dans certaines poses et dans les ensembles s’englue parfois dans sa monotonie. Il est à cet égard en parfaite harmonie avec sa voix, la remarquable mezzo Maria Riccarda Wesseling qui dans sa longue robe noire met en valeur la silhouette pâle non maquillée de son alter ego et se fond dans l’hermétisme spectral d’une interprétation sombre et puissante.

Stéphane Bullion - Maria Riccarda Wesseling

Leur rigueur dans la composition dramatique permet de mener de bout en bout ce parti pris avec une maestria implacable, Le danseur souvent seul à animer la vaste scène par sa forte présence délivre un personnage captivant sans victimisation. Le pari réussi de Stéphane Bullion qui s’emparait pour la première fois du rôle confère à l’opéra dansé de Gluck une dimension presque nouvelle, une plongée dans un univers réflexif qui fait écho à la conception qu’avait donnée Pina Bausch en transformant le livret pour agencer le plus noir du texte original et conclure l’opéra sur une fin dramatique.

L’Orphée de Stéphane Bullion souffre seul et n’a cure de la compréhension des autres, il ne s’expose pas. Sa quête personnelle va au tréfonds de ses sentiments et sa souffrance n’est jamais pathétique ou stérile, elle est inspirée, céleste. C’est une plongée vers le désespoir jusqu’à la déraison, un dialogue avec les dieux ou avec lui-même, qui révèle sous des allures parfois déterminées, une terrible fragilité qui suscite l’effroi. Cette force d’apparence inflexible n’est trahie que par la vulnérabilité de son regard, ses appels à l’infini, qui prennent source dans l’émanation de son âme.

Danse âpre et précise, inexorable dans son expressionnisme mais feutrée dans les poses les plus ultimes, elle restitue la douleur sans verser dans des attitudes qui offriraient une compassion facile. Sa douleur en devient parfois esthétique et par là même touche presque dangereusement au sublime. En dissociant la souffrance par son intériorisation de sa représentation évidente, le danseur va chercher dans ses ressources profondes pour rendre l’errance de son personnage préfigurant l’inéluctable fin que musique et chœurs intiment doucement. Il sait néanmoins apporter toutes les fines nuances qui vont nourrir la répétition des mouvements chorégraphiques au fil des actes. Les multiples reprises sont alors d’autres visions, régénérées par l’enrichissement dramatique.

Dans la première partie de l’œuvre, Stéphane Bullion passe de la douleur de l’infinie tristesse du deuil du poète à un espoir contenu qu’il transforme plutôt en rendez-vous mystique. Amour, une sémillante Muriel Zusperreguy, très juste dans son rôle mutin, lui transmet une espérance qu’il reçoit avec élan dans la danse mais circonspection dans le regard qui le conduit aux enfers. C’est dans le deuxième tableau intitulé « Violence » que ce scepticisme relance le ballet. Alors que s’agite autour de lui l’appel à la vie, Orphée perdu erre solitaire au milieu des furies. Incompréhension et violence, hésitations puis une fois le calme revenu, Eurydice retrouvée au troisième tableau, il s’en va, triste, presque seul, alors qu’elle est suspendue à sa main. Pourquoi ?

Stéphane Bullion - Marie-Agnès Gillot

Si jamais l’esquisse d’un espoir ne se lit chez Orphée, c’est peut-être que son Eurydice n’est plus celle qu’il a aimée? Marie-Agnès Gillot semble encore danser avec le christique Yann Bridard et contraste un peu trop fortement avec l’Orphée réflexif de Stéphane Bullion. Eyeliner noir appuyé et robe rouge monumentale s’opposent à la pâleur nue du danseur. Sa théâtralité à son naturalisme. Le duo semble antithétique au-delà de la contrainte visuelle. Chez la belle, trop de drame évident, trop de poses appuyées pour être en phase avec le poète à la sincérité flagrante. Mais ce lyrisme déplacé explique finalement peut-être l’exaspération d’Orphée à qui Stéphane Bullion prête alors le peu de vie que son désespoir lui laisse. Ainsi, c’est presque avec dessein qu’il se retourne pour mettre fin à ces palabres en courant vers Eurydice, lui qui vient de parcourir les enfers pour la retrouver. Punition humaine ou/et punition divine ? Maria Riccarda Wesseling chante alors seule l'hymne lyrique à la perte de l'être aimé, car le deuil de son alter ego chorégraphique est celui de sa foi en l'amour. Il met donc fin à sa déception et à ses souffrances, scellant ainsi la séparation éternelle, presque sans regret.

Stéphane Bullion - Vincent Chaillet - Aurélien Houette

Distribution de la Première, 4 février 2012

Orphée : Stéphane Bullion, Maria Riccarda Wesseling
Eurydice : Marie-Agnès Gillot, Yun Jung Choi
Amour : Muriel Zusperreguy, Zoe Nicolaidou

Orphée et Eurydice 4-16 février 2012

2012-02-04T03:50:00.000-08:00

Orphée et Eurydice
Opéra dansé en quatre tableaux

Musique - Christoph Willibald Gluck (opéra en trois actes, version française de 1774 traduite en allemand)
Chorégraphie et mise en scène - Pina Bausch
Décors, costumes et lumières - Rolf Borzik
Balthasar-Neumann Ensemble & Chor
Chef des choeurs - Detlef Bratschke

Direction musicale - Manlio Benzi (4, 6, 8, 9, 12 et 14 février 2012) / Thomas Hengelbrock (11, 15 et 16 février 2012)

Opéra dansé créé le 23 juin 1975 par le Tanztheater Wuppertal, entré au répertoire du ballet de l'Opéra national de Paris le 30 mai 2005

Stéphane Bullion

Orphée
Stéphane Bullion, Nicolas Paul, danseurs
Maria Riccarda Wesseling, chanteuse

Eurydice
Marie-Agnès Gillot , Alice Renavand, danseuses
Yun Jung Choi, chanteuse

Amour
Muriel Zusperreguy, Charlotte Ranson, danseuses
Zoe Nicolaidou, chanteuse

Synopsis (source : Opéra national de Paris)

Acte I

Premier tableau : Deuil

En compagnie des pleureuses, Orphée déplore la mort d’Eurydice. Dans son désespoir, il reconnaît en un enfant la puissance de l’amour qui lui montre le chemin pour suivre Eurydice aux enfers. Orphée est déterminé à ramener Eurydice

Stéphane Bullion - Muriel Zusperreguy

Acte II

Deuxième tableau : Violence

Les furies du monde souterrain sont émues par la persévérance passionnée d’Orphée et l’autorisent à accéder librement aux Champs Elysées

Stéphane Bullion

Troisième tableau : Paix
Orphée trouve Eurydice dans le jardin des bienheureux

Stéphane Bullion - Marie-Agnès Gillot

Acte III

Quatrième tableau : Mort

Lorsqu’il tente de ramener Eurydice, Orphée ne parvient pas à vaincre sa méfiance et son désir de mort

Rencontre Orphée et Eurydice

2012-01-21T19:54:00.000-08:00

Rencontre Orphée et Eurydice, Amphithéâtre Bastille, 21 janvier 2012
Avec Stéphane Bullion et Nicolas Paul
Dominique Mercy (co-directeur artistique du Tanztheater de Wuppertal) et Andrea Turra (chef de chant)

Cendrillon

2012-01-01T06:11:00.000-08:00

Emilie Cozette

Concession au blockbuster annuel des fêtes, la série de Cendrillon a une nouvelle fois prouvé que même lorsque le ballet est traditionnel, qu’il raconte une histoire sans intérêt, que la créativité artistique n'est peut-être pas complètement au rendez-vous au plus haut niveau, le talent des danseurs peut faire passer n’importe quoi. Ainsi, les héros de décembre auront été sans conteste lespetits jeunes (ou pas) danseurs qui ont porté avec dignité etpanache, le joli string bleu orné d’une fleur rose (à côté desquels le pyjama doré de l'Acteur-vedette et la robe mémé de Cendrillon ne sont que rigolade) des heures fatidiques del'horloge condamnant impitoyablement chaque soir, comme une sorte de vengeancedu sort hérité du costume designer, Cendrillon à son retour à la vie desouillon.

Dans ce Cendrillon où comme souvent dans les chorégraphie de Rudolf Noureev de nombreux solistes sont sollicités pour leur brio technique et leur personnalité artistique, le ballet de l'Opéra de Paris a montré son savoir faire, tant dans les premiers rôles que pour un corps de ballet régénéré, notamment chez les danseurs qui sont ici pour une fois plus nombreux que les femmes. L'écriture musicale de Sergei Prokofiev est parfaitement exploitée par le chorégraphe et l'orchestre de l'Opéra sous la direction de Fayçal Karoui en a rendu toutes les nuances.

Agnès Letestu

En haut de l'affiche, Agnès Letestu s’est encore une fois imposée comme dominant incontestable la technique de la narration, imposant une héroïne cohérente et maîtrisant la progression dramatique de main de maître. Difficile de rajouter quoi que ce soit à l'impression de poésie qu'elle a produite dès le soir de la Première. C'est un rôle qu'elle connaît bien mais elle sait à chaque fois surprendre par la spontanéité de ses attitudes narratives. De la souillon à l’amoureuse épanouie, tout concoure chez elle à porter l’histoire à travers une danse et des émotions justes et pleines de richesse à laquelle elle confère une touche de sa personnalité hors du commun. Elle habite avec un naturel désarmant ce rôle qui, s'il n'est pas aussi poussif que dans les versions traditionnelles, n'est pas non plus la panacée.

Stéphane Bullion - Agnès Letestu

En contre point de sa Cendrillon triste et mélancolique mais volontiers ouverte à toutes les expériences tout en gardant les yeux de l'innocence, le joli cœur électrique et déterminé de son Acteur-vedette Stéphane Bullion se présente au deuxième acte comme le parfait complément antithétique mais nécessaire à l’intérêt de la mince intrigue. Il cueille alors en un regard l'attention de la belle réalisée et tous les deux, ils emmènent les spectateurs dans l’histoire avec entrain, sincérité et une tendresse souvent touchante.
Avec une verve comique qu’il n’a pas souvent l’occasion de dévoiler –ce qui sans doute lui sert particulièrement- Stéphane Bullion impose un acteur vedette aux contrastes bien marqués dans les différentes situations du ballet, face aux sœurs, face à Cendrillon ou dans les variations de sa quête de l’amour disparu, un peu goguenard mais pas trop, un peu sceptique sans insister. Somme toute, il a su s’emparer de cette purge de Noël avec son talent dramatique habituel et une touche d'humour bienvenue.

Stéphane Bullion - Agnès Letestu

La même chose est valable pour Nicolas Le Riche qui n'avait pas dansé le rôle lors des dernières reprises, même si avant sa blessure, il s’était déjà montré un peu las et moins joueur, plus à l'aise dans la danse que dans le jeu. Il n’était, il est vrai, peut-être pas vraiment en adéquation avec la Cendrillon juvénile et glamour de Dorothée Gilbert au fort tempérament et semblait moins engagé dans la dérision, notamment lors des cavalcades avec ses amis, passages un peu limites dans la chorégraphie..
En revanche, Karl Paquette, qui lui a succédé auprès de cette dernière, avant de retrouver sa partenaire Emilie Cozette, avec son attitude plus passive face à l’histoire et face à ses Cendrillon assez différentes mais très à l'aise et plutôt scintillantes absorbe mieux tous les cas de figure. Emilie Cozette, très lyrique, lui fait un peu de l'ombre, mais tout en paraissant un peu dominé, il déroule un Acteur-vedette désinvolte et passe-partout qui remplit bien sa fonction, sorte de transmission de pouvoir entre l'acteur confirmé et la star naissante.

Dorothée Gilbert - Nicolas Le Riche

Florian Magnenet de son côté, s’inscrit lui aussi plus dans la verve comique initiée par Stéphane Bullion. Sa série exceptionnelle avec quatre partenaires différentes –Marie-Agnès Gillot comme prévu, puis Laëtitia Pujol en remplacement de Jérémie Bélingard et Aurélie Dupont pour suppléer à la défaillance de Josua Hoffalt, et enfin un sauvetage miracle le soir du 1er décembre en cours de représentation suite à la blessure sur scène de Nicolas Le Riche aux côtés de Dorothée Gilbert- lui a donné l’occasion de peaufiner un rôle qui le place au tout premier plan des interprètes les plus adéquates de ce ballet. Sa grande carrure le rend hilarant lorsqu'il est manipulé par les soeurs au deuxième acte alors que son regard mélancolique en fait un amoureux parfait dans les pas de deux.
Josua Hoffalt qui a pu assurer ses deux dernières représentations a semblé très engagé dans la comédie mais un peu raide dans la danse et le partenariat, sans doute pas vraiment remis de sa blessure.

Dorothée Gilbert - Florian Magnenet

Malgré des représentations de très haute tenue, la danse jouissive de Dorothée Gilbert ou la sophistication d’Aurélie Dupont dans le premier acte rendent difficile l’adhésion immédiate au personnage qu’Emilie Cozette et Agnès Letestu, avec justesse et douceur, installent d’entrée dans le cœur de l’histoire. Le début du ballet foisonne d'idées qui ne s'emboîtent pas toujours dans une fluidité évidente et une forte présence du trio Soeurs-Marâtre par exemple peut facilement écarter du personnage central si la danseuse ne semble pas à l'aise.

Marie-Agnès Gillot - Yann Saïz

A l’inverse, là où elle n’était pas attendue, Marie-Agnès Gillot, utilise son exceptionnelle personnalité pour faire de sa Cendrillon une victime passive de sa situation familiale en donnant une naïveté populaire à son personnage. Grande fille mal dégourdie, elle apparaît désarmée et godiche face à ses sœurs et sa belle-mère bien agressives de manière à faire oublier que, si elle pourrait les retourner d’une pichenette, l'idée ne lui vient même pas. Le deuxième acte est moins à son avantage, la petite fille émerveillée de Dorothée Gilbert qui touche le jackpot fait des merveilles, avec Florian Magnenet comme avec Karl Paquette, alors qu’Aurélie Dupont est tout à fait à son aise dans le monde du strass.

Aurélie Dupont - Josua Hoffalt

C’est sans doute un savant dosage de comique et de mélancolie qui permet de prendre un intérêt dans le ballet dans son ensemble, au-delà des pas de deux toujours un peu complexes, même si moins tarabiscotés que d’habitude chez Rudolf Noureev.
Dans la série des dévoués au comique, il est essentiel de retenir la formidable marâtre de Stéphane Phavorin. Il réussit parfaitement à faire l’écart entre la belle-mère détestable du premier acte, la mère plutôt protectrice et ludique du deuxième, et la marâtre franchement comique de l'essai de pantoufle
Plus mesuré mains non moins drôle, Aurélien Houette se sort très bien de ce rôle ambigu où il faut flirter avec la méchanceté sans jamais tomber dans l’odieux et garder un zest de comique pour répondre à ses filles.


Stéphane Bullion - Christophe Duquenne - Stéphane Phavorin second rang (de g à d) : Florimond Lorieux - Axel Ibot - Bruno Bouché - Pierre Rétif - Alexis Renaud

Mélanie Hurel et Ludmila Pagliero se sont imposées dans la même veine que leur mère Stéphane Phavorin, ce qui là aussi prend le contre-pied de leurs images de solides et sérieuses techniciennes. Sans abuser de la grimace, elles construisent des personnages qui par leur danse précise et décalée, provoquent le comique de situation parfait. Leur entente également tout à fait au point, dans la danse comme dans les attitudes, montre une osmose idéale qui offre de la légèreté même dans les passages redondants et un peu lassants.

Stéphane Bullion - Ludmila Pagliero

Dans les autres distributions, seule Alice Renavand a paru atteindre les mêmes cimes de drôlerie, mais plus dans les attitudes totalement outrancières de son personnage et son interprétation de la sœur bleue fera date, même si elle éclipse l'excellence de celle de Nolwenn Daniel, rendant le duo un peu moins efficace.

Stéphane Bullion - Christophe Duquenne - Mélanie Hurel

Chez les garçons de nouveau, Alessio Carbone et Christophe Duquenne dépeignent un Professeur, très savoureux. Le Cendrillon de Rudolf Noureev donne une jolie part à ce personnage qui parcoure les trois actes et prend toute son importance dans le deuxième. Alessio Carbone, charmeur italien devant l’éternel, prête souvent à rire par sa préciosité, Christophe Duquenne confère un air de charme plutôt désuet et lyrique à son personnage et sa variation avec les pantoufles est une vraie réussite.

Yann Saïz

Reste le producteur charismatique de Yann Saïz, véritable maître de cérémonie de la soirée. Avec 17 soirées à son actif, un punch intact chaque soir, le cigare rivé à la bouche il emballe son film de l'histoire comme il anime le ballet, faisant de cette transformation de la bonne fée, une des vraies grandes réussites de la transposition de Noureev du conte de fée.

Stéphane Bullion - Agnès Letestu

Onéguine

2011-12-31T05:39:00.000-08:00

Benjamin Pech

Avec cette reprise d’Onéguine, il faut de nouveau faire abstraction du survol bâclé de Cranko du roman de Pouchkine et de la construction simpliste du ballet qui en fait une histoire d'amour malheureuse sans jamais même d'évocation psychologique dans les rapports entre les personnages.
Le corps de ballet est cantonné dans des danses anodines de remplissage souvent sur une musique pompière qui n’arrange rien. Des Etoiles et Premiers danseurs dans le rôle du Prince, c’est un luxe compte tenu de la faible utilisation de ceux-ci : même si cela permet de remarquer une nouvelle fois la sensibilité parfaite de Christophe Duquenne ou l’ardeur à la tâche de Karl Paquette, il reste que Vincent Cordier et Nicolas Paul n’en sont pas moins parfaits également.

Dorothée Gilbert - Nicolas Paul

C’est sans doute une question de distanciation, mais la manipulation abusive des personnages par Cranko déstabilise fortement. L’accent mis sur les Larine, l’interminable pas de deux avec le Prince, (un personnage qui n’a même pas de nom dans le livre) introduit beaucoup de confusion dans la caractérisation du personnage de Tatiana. Alors qu’il est sans doute destiné à dépeindre le changement qui s’est opéré chez la jeune fille rêveuse qu’Onéguine a refusée, il souligne avec la plupart des danseuses, une félicité conjugale qui dénote avec l’attitude adoptée dans le pas de deux suivant. La présence forte de Lenski au début du ballet détourne également l’attention de la psychologie d’Onéguine. En contre point, celui-ci se voit doter d'une variation ridicule au début du troisième acte où il sautille dans la pénombre au milieu d'évocations de ses amours passés, répondant sans doute en théorie à la même fonction que le pas de deux des Grémine, mais qui en fait, n'apporte rien en pratique. Au finish, Cranko redistribue les cartes de l’histoire qui font de Tatiana un personnage plus important que celui d’Onéguine et à ce jeu, seul Benjamin Pech a vraiment su tirer son épingle du jeu dans cette série.

Isabelle Ciaravola - Christophe Duquenne

Cette saison, force est de constater qu’Aurélie Dupont reste figée dans la personnification artificielle de Tatiana, mais ce que Nicolas Le Riche, son habituel fougueux et imprévisible partenaire n’avait pas réussi à faire en 2009, il était peu probable que le danseur un peu sage de Stuttgart, Evan McKie, allait pouvoir le réussir. De fait, elle délivre les attitudes les plus convenues, de la petite fille, de la grande dame, de la désespérée.

Vincent Cordier - Aurélie Dupont - Evan McKie - Béatrice Martel

Evan McKie, surgi huit jours avant la Première de Stuttgart suite à la blessure de Nicolas Le Riche, en fait les frais. Il est lui-même assez en retrait, ne serait-ce que parce qu’il a choisi de dépeindre un Onéguine un peu trop fat qu’il ne peut pas faire évoluer. Au premier acte, il arrive encore à résumer la lassitude de l’homme envers la vie, mais il dilue progressivement sa personnalisation jusqu’à l’effacement. Son parti pris discret ne le sert pas dans les actes suivants jusqu’au pas de deux final où sa partenaire, manquant de mesure, fait jaillir une émotion ultra codifiée, voire grossièrement exagérée difficilement crédible compte tenu des deux premiers actes, évoquant plus une comédie à l’italienne un peu vulgaire que la tragédie psychologique et existentielle de Pouchkine.

Clairemarie Osta - Benjamin Pech

Les trois autres titulaires d’Onéguine se lançaient dans des prises de rôle et ont finalement offert avec leurs partenaires expérimentées des visions plus intéressantes et finalement bien plus séduisantes dans l'ensemble.

Benjamin Pech a une progression du rôle avec beaucoup de nuances qu’il décline au fil des actes, un premier et un deuxième somptueux dans les affects, mais qui a plus de difficultés à faire ressortir les regrets de l’homme mur. Son Onéguine est pourtant la personne assurée qui rend bien cette attitude dégagée au regard de la vie campagnarde, jusque dans son rapport de supériorité très précis avec Lenski, l’ami dont la joie même l’énerve. Il affiche clairement dans son jeu sur scène la différence entre son tempérament désinvolte et désabusé en général et son mépris de la vie chez les Larine et de l’attitude de Tatiana en particulier. Son revirement envers Lenski dans le deuxième acte est amené de main de maître. Clairemarie Osta dont la Tatiana est sublime de bout en bout lui donne une réplique engageante qui s’enrichit au fil du ballet.

Clairemarie Osta

Pleine de mesure, elle dépeint une héroïne constamment dans le ton du roman, jusqu’à la parfaite dignité de son désespoir dans le pas de deux final, une vraie réussite ! Dans le rapport Cranko/Pouchkine, ce n’est sans doute pas un hasard si c’est cette distribution de danseurs, acteurs avérés, qui réussit le mieux à donner de l'épaisseur à la narration, au plus proche du roman et offre ainsi une trame cohérente et plus fluide de l’histoire.

Isabelle Ciaravola - Mathieu Ganio

Le duo Isabelle Ciaravola-Mathieu Ganio est un peu déséquilibré mais la mesure de l’Onéguine un peu vert de Mathieu Ganio en fait une distribution agréable, surtout lorsqu’elle était soutenue par les seconds rôles les plus crédibles, Florian Magnenet en Vladimir Lenski, totalement désarmant de romantisme naïf. Son solo du deuxième acte atteint des sommets d’émotion, et Muriel Zusperreguy, en Olga Larina, insouciante et légère donne la réplique à merveille, à son fiancé comme à son ami. Christophe Duquenne est quant à lui un Grémine totalement princier dans son attitude altière face à Tatiana et son partenariat avec Isabelle Ciaravola est encore une fois parfait.

Florian Magnenet

Comme toujours, Mathieu Ganio est servi d’abord par la qualité cristalline de sa danse, et comme il bride ses émotions et son jeu, il est plutôt moins en porte-à-faux que dans certains personnages narratifs qu’il décrédibilise souvent dans un jeu maladroit. Passé le premier solo d’Onéguine un peu scolaire, il habite timidement le personnage mais laisse entrevoir un développement ultérieur prometteur. Comme en 2009, Isabelle Ciaravola est la parfaite héroïne romantique de Cranko, notamment dans les deux premiers actes magnifiques, mais sa souffrance finale un brin trop théâtrale, compte tenu du peu de challenge de son partenaire qui atteint là ses limites, laisse un sentiment d’inachevé au point de vue des émotions. Peut-être rêve-t-elle encore du piment machiavélique d’Hervé Moreau avec qui elle avait créé le drame romantique parfait en 2009 ?

Dorothée Gilbert

Dorothée Gilbert et Karl Paquette se la jouent sobre. On sait presque dès le début que cela ne marchera jamais entre eux, à la fois parce que Tatiana, distante et triste comme l’héroïne décrite par Pouchkine, n’est pas si exaltée que ça par Onéguine, et parce que le scepticisme sur scène de Karl Paquette semble encore plus prégnant que celui d'Onéguine dans le roman envers la vie. Dans cette distribution, Audric Bezard est comme en 2009 un magnifique Lenski, très expressif dans ses émotions et sentiments tant vis-à-vis d’Olga que d’Onéguine ou Tatiana. C’est un peu comme le feu follet du ballet dont la disparition après un solo où il déploie des lignes enchanteresques laisse un vide. La passion du pas de deux de la chambre est plus que mesurée, comme l’ennui que semble lui distillé celui avec son mari, un très digne Nicolas Paul.

Audric Bezard

Assez paradoxalement, ce duo gagne son intérêt plutôt dans le dernier pas de deux où Dorothée Gilbert prend le contrepoint de son tempérament fougueux naturel pour livrer une Tatiana tout en souffrance intérieure d’une saisissante justesse et un peu comme Clairemarie Osta, elle offre un instant poignant sans effets théâtraux qui correspond plus à la narration littéraire du choix de la Princesse.

Dorothée Gilbert - Karl Paquette

24 hours in a man's life

2011-12-12T04:58:00.001-08:00

Un livre : Anne Deniau. 24 hours in a man's life. Anyway Editions, 2011, 96 p.

24 heures, c’est à la fois court et long, selon ce qu’on en fait, mais lorsque c’est Anne Deniau qui observe Stéphane Bullion, c’est simplement très riche.
Un homme se meut, une plage, une chaise, une table, le sable, la mer, le soleil, la lune, l’horizon. La simplicité, le jeu des harmonies ou son contraire. Les humeurs et les émotions, les sentiments, la respiration.
Un espace et une ambiance institués par les poses et les évolutions du danseur, l’exposition de soi, un dévoilement qui va parfois très loin, mais aussi une mise en relief par le regard de la photographe qui capture les angles, la lumière, fait vivre ces gestes et ces regards, ces sentiments profonds, en fusion avec le personnage sans trahir l’homme.
Le portrait est saisissant parce qu’il montre les ombres et des lumières, la fréquence, à la fois cru et sophistiqué, il va bien au-delà de l’Etoile, il va au cœur d’une identité tout en conservant le mystère. Chaque photo raconte une histoire, un petit moment de vie et de sensibilité déclinés en camaïeu qui emmènent passionnément jusqu'au bout de ces 24 heures. On y retrouve à travers les clairs obscurs, la lumière, les expositions de dos ou frontales, l’émotion et la sincérité de l'artiste.

Anne Deniau. 24 hours in a man's life. Anyway Editions, 2011, 96 p.

Une exposition : Palais du Tau à Reims du 7 février au 2 juin 2012

Un film faisant partie du projet est annoncé : Première le 5 avril 2012

Trailer VOST / " 24 hours in a man's life" from Anne Deniau on Vimeo.

Information chez Anne Deniau

Onéguine 9-31 décembre 2011

2011-12-11T03:23:00.001-08:00

Onéguine
ballet en trois actes
Livret de John Cranko d'après le roman Eugène Onéguine d'Alexandre Pouchkine
Musique - Piotr llyitch Tchaikovski extraits d'opéras et de pièces pour piano
Chorégraphie et mise en scène - John Cranko (1965)
Décors et costumes - Jürgen Rose
Lumières - Steen Bjarke

Orchestre Colonne
Direction musicale de James Tuggle

La description synoptique du ballet se trouve dans l'entrée sur le ballet de 2009 Onéguine 16 avril-20 mai 2009

Distribution de la Première, 9 décembre 2011

Eugene Onéguine Evan McKie
Lenski Josua Hoffalt
Tatjana Aurélie Dupont
Olga Myriam Ould-Braham
Prince Grémine Karl Paquette

Evan McKie

Première de Cendrillon, 25 novembre 2011

2011-11-25T23:00:00.000-08:00

Stéphane Bullion - Agnès Letestu

Début de saison plutôt en demi teinte après le Phèdre particulièrement daté, le Psyché excessivement pompier et une Source terriblement ennuyeuse, le ballet peut-être le moins réussi de Rudolf Noureev s'installe à l’opéra Bastille pour les fêtes de fin d’années. Il faut alors faire abstraction de l'histoire cul-cul, de la transposition empreinte d'obsessions à peine cachées, pas toujours de bon goût, des costumes plutôt ratés (encore!) et s'intéresser aux danseurs.

Dans l’immensité de ce temple d’une froideur extrême, l’intérêt principal de cette Première se trouvait donc dans le mélange de générations dans certains duos comme dans le corps de ballet, ici un peu sous employé, même si on retrouve le style délirant et exigeant de virtuosité de Rudolf Noureev.

Pour la Première, l’opéra avait timidement inséré quelques prises de rôle au sein de l’artillerie lourde de la hiérarchie du ballet où il ne manquait que Mathias Heymann blessé, trois Etoiles et six Premiers danseurs prenant les choses en main.

Stéphane Bullion - Agnès Letestu - Christophe Duquenne

En tête d’affiche, le couple de majesté désormais établi Stéphane Bullion/ Agnès Letestu, avec l’Acteur-vedette en impétrant, mais aussi le duo Mélanie Hurel/Ludmila Pagliero en Sœurs suscitaient intérêt et curiosité. Ils évoluaient donc parmi les expérimentés Christophe Duquenne, professeur désabusé, Karl Paquette et Stéphane Phavorin dans les rôles du Producteur/fée et Marâtre.

Passé l’effet premier acte où la mise en histoire est un peu longue voire répétitive, c’est dans la déraison dérisoire d’Hollywood qu’entraîne Rudolf Noureev avec des tableaux plus réussis que d’autres, des touches d’humour ou de mauvais goût qui, somme toute, se perdent un peu dans l’esprit loufoque du ballet et ont le mérite de ne jamais durer.

Agnès Letestu

Le ton général du ballet pourtant est donné par Agnès Letestu qui joue avec l’interprétation de manière étonnante. Ceux qui cherchent l'ambiance festive du conte de fée en seront pour leur frais. D’entrée Agnès Letestu étale sa mélancolie, son regard perdu et sa danse cristalline consacrant le gris de sa vie. Elle ne s’enlumine que lors de son dialogue à claquettes avec le portemanteau, mais cela n’influe pas sur la tonalité morose de l’œuvre.

Malgré son costume de cendre qui se perd dans le fond du décor, elle vampe l’histoire et dirige l’ambiance par son aura mélancolique, ne frôlant heureusement jamais la tristesse qui susciterait la victimisation. Les pics d’humour lancés par les conflits de famille, puis l’excellent Christophe Duquenne, n’en sont alors que plus mis en relief, recentrant constamment l’intérêt sur son personnage.

Ludmila Pagliero - Agnès Letestu - Mélanie Hurel (et Stéphane Phavorin)

Mélanie Hurel et Ludmila Pagliero forment un duo réussi aux pointes acérées dans de jolies prouesses techniques. Sans en faire trop, elles ont juste ce qu’il faut pour tenter constamment l’intervention drolatique de Stéphane Phavorin qui a su éviter le vulgaire parfois vu dans ce rôle. Karl Paquette en producteur, n’a pas grand-chose à faire si ce n’est prodiguer ses bienfaits.

Stéphane Bullion - Agnès Letestu

Au deuxième acte, Agnès Letestu passe le relais à un Stéphane Bullion, plein d’aplomb, acteur vedette pressé d’en finir avec les sœurs qu’il écarte poliment mais fermement. Un peu bougon sur le plateau lors des tentatives des jeunes filles, à peine séducteur et plutôt charmé par l’apparition de Cendrillon, il s’épanouit au contact de la jeune fille plutôt intimidée au départ que présente Agnès Letestu.

Le duo n’en est que plus émouvant et l’on retrouve quelques touches surprenantes de la naïveté adolescente aux premiers émois chez ces deux géants. Stéphane Bullion n’est plus l’Acteur-vedette charismatique, mais le jeune homme intrigué. Les yeux s’écartent alors, le cou se tend, l’amour le transforme. La musique de Prokofiev jouée avec une certaine mollesse prend alors tout son relief et le duo de charme autour du tabouret reste un moment original d’une douceur et d’une sérénité absolue.

Stéphane Bullion - Agnès Letestu

Le court troisième acte où la famille pénible se transforme en Espagnole, Chinoise et Russe, présente des danses de caractère plutôt bien agencées et assez roboratives dans la traditionnelle course à l’essai de pantoufle. Ludmila Pagliero en sensuelle Espagnole ne rend rien à Mélanie Hurel, Chinoise absolument envoûtante.

Stéphane Bullion - Ludmila Pagliero

Puis, de retour dans le « ciné-food », c’est l’essai en famille, la résignation de Cendrillon à dévoiler son secret à la vue de son prince, et le pas de deux magique du dernier acte. C’est convenu mais la danse est belle lors du dernier pas de deux. On fait enfin abstraction des costumes plutôt tartes pour se laisser porter par les envolées lyriques de l’amour accompli. C’est quand même un conte de fée, et même si le ballet n’a pas grand-chose à apporter, il est bien ficelé et il évite tout au moins le message misérabiliste et moraliste délivré habituellement.

Stéphane Bullion - Agnès Letestu

Distribution de la Première 25 novembre 2011

Cendrillon Agnès Letestu
L'Acteur-vedette Stéphane Bullion
Les Soeurs Mélanie Hurel/Ludmila Pagliero
La Marâtre Stéphane Phavorin
Le Producteur Karl Paquette
Le Professeur Christophe Duquenne

Stéphane Bullion - Agnès Letestu

Cendrillon 15 novembre-31 décembre 2011

2011-11-25T20:00:00.000-08:00

Cendrillon
Ballet en trois actes d'après le conte de Charles Perrault
Adaptation, chorégraphie et mise en scène - Rudolf Noureev
Musique - Serguei Prokofiev (1945)
Décors - Pétrika Ionesco
Costumes - Hanae Mori
Lumières - Guido Levi

Stéphane Bullion - Agnès Letestu

Orchestre de l'Opéra de Paris
Direction musicale - Fayçal Karaoui
Production créée pour le Ballet de l'Opéra de Paris le 25 octobre 1986

La description synoptique du ballet se trouve dans l'entrée sur le ballet de 2007 Cendrillon 10 avril-11 mai 2007

Stéphane Bullion - Agnès Letestu

Les danseurs de l'ONP en photos, version 2

2011-11-14T12:46:00.001-08:00

Lartillot, Christian, Danseur : Étoiles et premiers danseurs de l'Opéra national de Paris (préface par Brigitte Lefèvre). Paris : Verlhac Éditions, 2011. 140 p.

Rencontre Cendrillon

2011-11-12T22:00:00.000-08:00

Rencontre Cendrillon, Amphithéâtre Bastille, 12 novembre 2011
Avec Jérémie Bélingard et Laëtitia Pujol
Florence Clerc (répétitrice) et Andrea Turra (chef de chant)

La Source

2011-11-02T04:12:00.000-07:00

Première création d’un ballet narratif depuis Les Enfants du Paradis de José Martinez et le plus original Siddharta d'Angelin Preljocaj, La Source ne s’aventure pas sur des sentiers vierges puisqu’il se propose de revisiter le ballet perdu de Charles Nuitter et Arthur Saint-Léon. Parti pris à moitié séduisant lorsqu’il cherche à s’éloigner d’une reconstitution impossible (et sans doute non souhaitable, car ce n’est jamais très bon, lorsqu’une œuvre tombe dans l’oubli) et qu’il propose une chorégraphie et une scénographie modernes, mais sérieusement handicapant lorsqu’il récupère une musique pas vraiment mémorable et une histoire impossible. Or, si l’ensemble, et en particulier le fil de la narration, mérite d’être considérablement retravaillé afin de gommer beaucoup de maladresses et d'impasses, il est douteux que la musique soit remise en question pour de futures reprises. Il est difficile de comprendre à ce sujet qu’on ait pu exhumer une musique pareille au XXIe siècle, d’autant plus qu’elle semble indissociablement liée à l’histoire ridicule qui est proposée.

Ludmila Pagliero

La dramaturgie est donc l’autre faiblesse du ballet. Il ne suffit pas de s’adjoindre un pro du théâtre pour éclaircir une histoire nébuleuse et surtout la transformer en narration chorégraphique. Il est surprenant que Jean-Guillaume Bart signe avec Clément Hervieu-Léger cette responsabilité pour un si piètre résultat.
Si l’écriture chorégraphique est plaisante et ne s’aventure pas grossièrement comme il a été vu chez Alexeï Ratmansky avec Psyché dans le copié collé à la va-vite – on sent que Jean-Guillaume Bart tout en s’inspirant bien sûr de ses aînés les a mieux digérés et a beaucoup réfléchi et travaillé sur ce ballet avec un peaufinage des pas et des enchaînements notamment- elle échoue à raconter l’histoire en ne caractérisant pas suffisamment en profondeur les personnages, et ceci d’autant plus qu’elle n’est pas soutenue par une dramaturgie claire qui permettrait de leur donner une âme et de les faire dialoguer. En même temps, que faire avec cette musique ! Peut-être Jean-Guillaume Bart s’est-il oublié dans l’écriture de pas virtuoses qui n’appellent pas à la richesse significative, ce qui se retrouve dans l’incohérence de l’histoire qui va au-delà du conte merveilleux à prendre comme tel (que font par exemple tous ces Caucasiens en fourrure dans le harem du Khan où ils sont bien plus habillés que les demoiselles ?). Or quand la technicité ne raconte rien, elle s'apparente à un défilé de variations qui à la fin ressemble à un concours... et c'est ennuyeux. Dans ce cas, il ne sert à rien de concurrencer Mathias Heymann qui éblouit de mille feux de la manière la plus flamboyante, dans le seul rôle au caractère bien défini (avec dans une moindre mesure, celui de Mozdock). Jean-Guillaume Bart a choisi de faire bondir le premier à la Puck, mais celui-ci semble vite réduit à reproduire comme au cirque une leçon de virtuosité bien apprise sur sans doute le thème musical le plus difficile à supporter du ballet, et qui lasserait bien vite après un premier effet clinquant, s’il se passait autre chose dans l’histoire.

Alessio Carbone et Adrien Bodet, Allister Madin, Fabien Révillion, Hugo Vigliotti

Or, c’est là la principale faiblesse de La Source, il est difficile de comprendre ce qui motive les personnages sur scène, ils sont souvent comme juxtaposés avec peu d'interaction, comme venus faire leurs variations. Même si le Khan ne danse pas beaucoup, son personnage est à peine différencié de celui de Mozdock, le Caucasien, qui culturellement devrait lui être éloigné. Djémil est l’opposé de Mozdock, mais pourquoi ? D’où vient Djémil d’ailleurs ? Pourquoi le héro apparaît-il comme un faible, passif dans l’histoire ? Très intéressant a priori, mais rien chez Djémil ne suscite l’intérêt. Il arrive, réalise ses variations monocordes et peu fluides comme son peu de pantomime, puis repart. Impossible de comprendre pourquoi il préfère Nouredda à Naïla, et d’ailleurs, cela ne se voit même pas sur scène, sauf à la toute fin dans les meilleures interprétations. Si l'énergie brute du frère de Nouredda se perçoit bien, mais là aussi atteint vite ses limites dans la répétition des mouvements, il est difficile de comprendre pourquoi le héros est un personnage si fade et si insignifiant.

Christophe Duquenne (Mozdock) - Karl Paquette

Même son costume est passe partout. Il s’agit peut-être aussi d’une erreur de casting, la puissance d’un petit baroudeur à la Jérémie Bélingard aurait sans doute plus marqué que les trois danseurs "princiers" choisis pour le rôle. C’est aussi sans doute pour cette raison qu’on ne sent aucune attirance chez Nouredda, et à peine chez Naïla, et vice-versa, réduisant à néant le propos de l‘histoire.
A observer les personnages féminins, tout porte à penser que le problème de la chorégraphie est aussi à chercher dans la longueur du ballet et le défilé des variations dévolues à chacun. Jean-Guillaume Bart a trop voulu montrer de la danse pour de la danse, oubliant que le ballet narratif doit raconter et parfois sacrifier à la virtuosité, prendre des temps mots pour que les corps et les regards s'expriment aussi d'une autre manière que sur pointes ou en arabesques (ce qui de toute manière n'est pas non plus lisible ici).
Le personnage de Nouredda est celui qui évolue le plus clairement au cours du ballet, de la jeune fille mélancolique à la danse langoureuse, à la naissance de la jalousieavec une danse plus offensive, puis le retour au romantisme neurasthénique, mais celui de Naïla, pourtant central, souffre d’un monolithisme ; pas franchement bien dessiné dans le monde des elfes (seule Charline Giezendanner a su enluminer ce passage) ou dans l’évocation de son amour pour Djémil, voire au Palais du Khan. A la fin, Naïla, personnage irréel dans le sens propre du terme, besogne comme les autres sur scène dans des variations pas spécialement aisées qui de toute manière, la condamnent à paraître exister. En revanche, le rôle de Dadjé, plus court, permet chorégraphiquement et humainement de montrer une favorite plutôt sûre d’elle qui, dans le jeu, va pouvoir montrer sa jalousie et son incompréhension, mais elle n’apparaît que très peu dans le ballet.

Muriel Zusperreguy

Au finish, ce sont les personnages secondaires qui ressortent le mieux Toute cette accumulation de peu de caractérisation dans une histoire plutôt tirée par les cheveux, livre un ballet sans âme et surtout sans sentiment. Le ballet est plat et sans passion, ce qui rend l’histoire d’amour peu lisible. Sans moteur, il avance inexorablement avec monotonie vers la fin laissant le spectateur à la porte, sans aucune émotion, même lors du sacrifice ultime de Naïla qui meurt par amour dans la plus parfaite indifférence, car d’amour et de romantisme dans ce ballet, il ne semble pas y en avoir, alors qu’à lire le synopsis, il en est rempli…

Les odalisques : Pauline Verdusen - Eléonore Guérineau

Les personnages insuffisamment épais du point de vue du caractère narratif sont différenciés par leur apparence. Ils sont dotés de costumes aux couleurs chatoyantes, à la fois quand lorsque Christian Lacroix s’aventure dans le style Bollywood ou dans le style chaleur de l’hiver pour les Caucasiens, mais ceux-ci semblent bien souvent contreproductifs à la danse et analytiquement peu satisfaisants. Même les odalisques vêtues de voiles sont parées de coiffes qui semblent peser lourdement sur leurs têtes. La robe de Naïla est vraisemblablement la raison pour laquelle la danseuse apparaît terrienne, le bouffant sur les hanches lui donnant l’aspect d’une amphore et le voile léger ne donne jamais d‘amplitude similaire et la fait gonfler dans les sauts. Ce volume assez déroutant se retrouve aussi dans la danse des Nymphes qui, sur les photos sont splendides mais dont l’évolution semble contrariée par un certain défaut d’apesanteur.

Les Nymphes

La pauvre Nouredda est affublée au début et à la fin d’une tenue bicolore du plus kitch (cela dit, elle lui permet au moins d’être clairement distincte sur scène), et à la cour du khan, d’un rose pas franchement heureux, qui arrive même à raccourcir les jambes interminables d’Isabelle Ciaravola ! Ses camarades caucasiennes sont attifées de costumes qui semblent taillés dans du tissu d’ameublement et double leur volume, masquant leurs mouvements… refaire le ballet romantique au XXIe siècle réclame plus que l’esthétique approximative évoquée par ces costumes.

Bref, Christian Lacroix a un style, c’est un grand couturier de renommée mondiale, mais il n’a pas su s’adapter à la morphologie des danseuses et au côté pratique de leur art, voire s'insérer dans la narration (il est vrai pauvre) du ballet.

Ludmila Pagliero - Karl Paquette

A l’inverse, et peut-être heureusement, ces personnages évoluent sur une scène plutôt dépouillée, avec le thème de la corde décliné à travers les actes de manière plutôt agréable. Pourtant, difficile de deviner l’univers de la source au début, et surtout où se situe le dernier tableau, la scène étant désespérément vide. Le palais du Khan est suggéré avec habileté et semble vivre grâce aux costumes des odalisques, comme si Eric Ruf avait voulu sauver Lacroix. Un effort sur le dernier acte aurait sans doute laissé une meilleure impression générale car la mort de Naïla dans les bras de Zaël dans la pénombre laisse un goût d'inachevé.

Isabelle Ciaravola

Peut-être la plus grande déception de cette création est l’éventail restreint des danseurs choisis. Trois distributions seulement, c’est vraiment peu pour dix huit représentations (ce qui est vraiment beaucoup trop pour une création) et peu de précaution quant à l’éventuelle blessure d’un danseur, sinon probable, du moins potentielle, qui, par malheur ici est justement arrivée sur le rôle titre avec l’indisposition de Laëtitia Pujol.

Charline Giezendanner

Il est difficile d'accabler les danseurs qui ont dû faire face à l'indigence dramatique qui leur était proposée sans aucun repère d'antériorité tout en apprenant une chorégraphie peu aisée. Certains ont réussi à faire passer quelque chose, d'autres non, mais dans l'ensemble, cela n'a guère relevé le ballet, même dans le meilleur des cas, les associations par soirées n'ayant pas réuni les éléments les plus adéquats.
Les solistes choisies pour danser Naïla ne semblent pas maîtriser complètement le rôle difficile, entre technique exigeante et peu de marge d’interprétation. Ludmila Pagliero à la danse parfaite fait un joli travail pour paraître immatérielle mais il manque peut-être un peu de magie pour lui faire dominer le ballet. Charline Giezendanner, avec un naturel charmant et juvénile, est peut être celle qui s’en tire le mieux, émerveillée dans l'insouciance et la séduction, triste et émouvante dans son amour déçu. Elle est très à l'aise dans le monde des elfes qu'elle représente parfaitement. Myriam Ould-Braham, minaude trop et fait stagner un personnage bibelot sans aucune personnalité.

Josua Hoffalt - Muriel Zusperreguy

Dans le rôle de Nouredda, sans doute le mieux défini, Isabelle Ciaravola et Muriel Zusperreguy sont particulièrement justes et c’est ici que le peu d’émotion du ballet se lit, dans les regards perdus du premier et du troisième acte où le dernier pas de deux très néo-classique avec Djémil est le seul moment vraiment émotionnel de la soirée, si l'on excepte le regard perdu de Charline Giezendanner au moment où elle comprend qu'elle n'aura pas Djémil. Cependant, il faut encore avoir cette ressource interprétative qui fait défaut à Laura Hecquet trop raide et monolithique qui passe complètement à côté du rôle avec un côté prussien un peu consternant.

Charline Giezendanner - Florian Magnenet

Le Djémil de Josua Hoffalt est plus autoritaire que celui de Karl Paquette, celui de Florian Magnenet plus noble et plus aérien, plus naïf aussi dans son rapport avec Naïla et le monde des elfes, mais dans l’ensemble, le rôle n’a rien à imposer, cela tourne un peu en rond, le chasseur étant désavantagé il est vrai par ses variations peu inspirées et sa tenue décalée, peu visible sur le fond sombre et dans les lumières tamisées de la scène.
Au finish, la paire très fraîche et spontanée formée de Charline Giezendanner et Florian Magnenet apparaît comme la plus harmonieuse dans le couples Naïla/Djémil, alors que Josua Hoffalt et Muriel Zusperreguy dans leurs duos sont les plus narratifs dans celui de Djémil/Nouredda. Dans cette configuration, le ballet semble prendre un sens dans l'amour que porte Djémil à Nouredda mais Florian Magnenet arrive bien de son côté à rendre son étonnement puis son rejet de l'amour de Naïla. Ce sont là les quelques reliefs de l'interprétation de l'histoire.

Aurélien Houette

Mais dans l'ensemble, c’est plutôt chez les personnages de caractère comme Mozdock où excellent Vincent Chaillet, Christophe Duquenne et Aurélien Houette, le côté caucasien comme chez les filles, qu’il faut chercher les satisfactions. Au Mozdock fort et emphatique de Vincent Chaillet, hélas blessé en cours de série, on trouve le plus sentimental Christophe Duquenne, peut-être parce qu'il alterne sur le ballet avec le personnage d'un Khan très autoritaire qu'il a cherché à différencier (les danseurs sont après tout affrontés à des cas d'incohérence pratiques que les chorégraphes ne mesurent pas complètement) doux avec Nouredda mais ferme dans ses idées de transaction maritale, alors qu'Aurélien Houette qui remplaçait Stéphane Phavorin, impose sa force et son regard impitoyable.

Allister Madin

Le personnage de Zaël, lutin aérien dans tous les sens du terme, tire finalement toute la gloire du ballet. Il en magnifie totalement l'esprit, celui du conte et celui de la virtuosité voulue par Jean-Guillaume Bart. Ses apparitions apportent de toute manière des bouffées d'air bienvenues dans l'atmosphère lourde de l'ennui. Il est magistralement dansé par Mathias Heymann pour qui le rôle est visiblement créé, mais qui parfois se laisse aller à cette aisance technique qui tourne à la leçon (en même temps, difficile de le lui reprocher, le ballet ne semble tenir que par ça). Alessio Carbone l’aborde plus subtilement, jouant d’effets de pantomime dans les parties non dansées et s'insérant mieux dans le cours de la narration alors qu'Allister Madin s'en sort également très bien, ludique à souhait dans les cordes, plus terrien sur le tapis, mais avec un enthousiasme très communiquant.

Isabelle Ciaravola-Mathias Heymann

Le Ballet hors les murs : Biarritz, 28-29 octobre 2011

2011-10-30T13:37:00.000-07:00

La composition des ballets est disponible dans l'entrée du 3 février 2009.

Le ballet de l’Opéra de Paris prenait ses quartiers les 28 et 29 octobre dans la gare du Midi de Biarritz, temple du ballet Malandain, avec son agréable affiche "Lifar/Petit/Béjart", c'est-à-dire Suite en blanc/l’Arlésienne/Le Boléro, qui fonctionne très bien dans les tournées de la compagnie par la diversité de style des ballets, leur minutage agréablement harmonieux et le peu de décors nécessaires à leur réalisation technique.

Stéphane Bullion avec Aurélie Dupont, Clairemarie Osta et Mélanie Hurel

Par ailleurs, c'est un programme qui permet à la Maison parisienne de présenter, ailleurs qu’en son sein, ses Etoiles et faire une démonstration du prestige de l’Opéra avec la plupart de ses solistes, les distributionscomposant uniquement avec les contraintes des ballets se déroulant au même moment à Paris, Caligula en février à Moscou, La Source cette semaine.

La Compagnie reprendra cette affiche de chorégraphes français dans sa tournée outre-Atlantique de juin-juillet aux Etats-unis d'Amérique.

Suite en Blanc

Serge Lifar

Stéphane Bullion - Clairemarie Osta

Suite en blanc a donc la particularité de se composer de multiples soli de virtuosité où chacune des Etoiles éblouit, tour à tour, ou en groupe pour un final étourdissant, ne laissant pas le public dans l'attente tellement le rythme des démonstrations est soutenu. Un corps de ballet non moins sollicité dans son excellence, entoure et met en valeur chaque intervention des vedettes par des ensembles aux lignes très structurées et très vives.

Dorothée Gilbert
Bruno Bouché, Florimond Lorieux, Yann Chailloux

Dorothée Gilbert, qui a débuté dans Sérénade le premier soir -remarquablement reprise par Amandine Albisson une fois l’Etoile passée sur La Flûte- livre ici son meilleur cru, ajoutant, après la Première assurée par de la délicate Clairemarie Osta, à sa musicalité et sa technique superlative, une sensibilité interprétative particulièrement réussie.

Stéphane Bullion - Aurélie Dupont

Agnès Letestu retrouve avec la Cigarette sa variation d’anthologie. Elle y montre une nouvelle fois distinction et autorité suave avec un rien de détachement qui l’humanise, alors qu‘Emilie Cozette le samedi après-midi y faisait un retour malicieux et efficace après sa blessure du printemps.
Dans l’adage, le nouveau partenariat Stéphane Bullion-Aurélie Dupont étalait son entente parfaite déjà perçue dans Psyché et qui semble susciter des idées d'approfondissement. Malgré les personnalités contrastées des deux danseurs, cette paire élégante est ici magnifiée par la solennité de l’ouvrage qui requiert la perfection du geste mais aussi un soupçon de chaleur délicate présente dans une interprétation paisible et assurée d'une rare subtilité.

Agnès Letestu

L'oeuvre de Serge Lifar a l’intelligence de dérouler un crescendo présent dans sa musique. Elle fait monter la tension à l’apogée dans le final qui affiche les morceaux de bravoure, les garçons dégainant une ligne de tours en l’air impeccables et les manèges de jetés impressionnants de Stéphane Bullion et Mathieu Ganio déclenchent les premiers applaudissements de la soirée. Les filles avec notamment Agnès Letestu dans des fouettés réglés au métronome ou Aurélie Dupont au manège à l’allure de lancement de fusée, ne sont pas en reste dans le brio.

Stéphane Bullion

Pour tout dire, Suite en Blanc, dans son parti pris classe et flamboyant, affichait ce week end à Biarritz, une compagnie au meilleur de sa forme et le plaisir du public était très expressif. Le ballet de Lifar lançait la soirée sous les meilleurs auspices.

Julien Meyzindi-Clairemarie Osta, Stéphane Bullion-AurélieDupont, Mathieu Ganio-Agnès Letestu, Audric Bezard-Dorothée Gilbert

L'Arlésienne

Roland Petit

Clairemarie Osta - Benjamin Pech

Suite au désistement de Jérémie Bélingard, c’est Alessio Carbone, appelé à la rescousse entre deux Zaël dans la Source, qui s’est emparé de l’opus de Roland Petit, l’Arlésienne, aux côtés de Benjamin Pech, avec Clairemarie Osta comme partenaire.

La musique de Bizet est familière, le public est attentif, puis captivé par cet ouvrage très nourri qui étale la maestria de Roland Petit dans l’art de la narration. Le chorégraphe a ici vraiment réussi à transmettre dans ses pas et mouvements, une véritable marque des événements et des sentiments des héros et de son corps de ballet.
Alessio Carbone et Benjamin Pech font évoluer leur personnage à un rythme et dans une intensité différente. Le premier, un peu plus fougueux, joue plus sur la candeur et la spontanéité d’un homme perdu, Benjamin Pech sur une noirceur interne aux multiples facettes.

Alessio Carbone - Clairemarie Osta

Clairemarie Osta, très sollicitée ce week-end, s’accommode des deux tempéraments avec sa remarquable musicalité. Elle dresse le portrait d’une Vivette simple, attentive et au désespoir contenu, dans un rôle parfois ingrat dans la chorégraphie qu’elle remplit de richesse humaine et de douceur.

Le Boléro

Maurice Béjart

Nicolas Le Riche

A peine quelques minutes pour digérer la mort de Frédéri que la musique lancinante du Boléro fait apparaître les mains de Nicolas Le Riche et son rythme progressif qui frôle la folie que Frédéri venait d‘évoquer. C’est alors parti pour 15 mn de bonheur où le danseur fait montre de maîtrise absolue du geste et joue avec sa puissance, sa rapidité et son ballon, sans être en reste avec ses regards expressifs, dans les pauses provocantes comme dans les sauts à la force brute.
Marie-Agnès Gillot, le samedi après-midi, paraît elle plus posée et mécanique, elle semble vouloir insister sur la musique avec un phrasé marqué un peu lourdement là où Nicolas Le Riche la survole avec légèreté et grâce.

Nicolas Le Riche

Nicolas est le lutin aérien qui semble grandir au fur et à mesure qu’il bondit et se déploie sur son tapis rouge, devenant lun leader charismatique expressionniste aux accents sexuels parfois très exacerbés alors que Marie-Agnès Gillot déploie ses bras tentaculaires pour envoûter plus discrètement le public.
Deux interprétations à l’opposé mais qui mènent de mains de maître un corps de ballet dirigé avec autorité par Bruno Bouché et Yann Saïz et qui laissent la salle éblouie, debout au bord de l’extase le 29 au soir, alors que Nicolas Le Riche, épuisé, se laisse aller à une joie toute bonhomme. Un grand moment pour terminer cette très belle soirée des styles français du 20e siècle.

Nicolas Le Riche

DVD Hommage à Jerome Robbins

2011-10-23T04:24:00.000-07:00

EN SOL :
Musique de Maurice Ravel.
Chorégraphie de Jerome Robbins.
Avec Marie-Agnès Gillot et Florian Magnenet.

TRIADE :
Première mondiale.
Musique de Nico Muhly, commande de l'Opéra national de Paris.
Chorégraphie et costumes de Benjamin Millepied.
Avec Marie-Agnès Gillot et Laëitia Pujol, Audric Bezard et Marc Moreau.

IN THE NIGHT :
Musique de Frédéric Chopin.
Chorégraphie de Jerome Robbins.
Avec Clairmarie Osta et Benjamin Pech, Agnès Letestu et Stéphane Bullion, Delphine Moussin et Nicolas Le Riche.

THE CONCERT :
Musique de Frédéric Chopin.
Chorégraphie de Jerome Robbins.
Avec Dorothée Gilbert, Stéphane Phavorin, Alessio Carbone et Emmanuel Thibault.

Ballet de l'Opéra national de Paris.
Orchestre de l'Opéra national de Paris, direction musicale Koen Kessels.

Enregistrement Haute Définition : Opéra de Paris (Palais Garnier), septembre 2008.
Produit par François Duplat et Antoine Perset.
Un film de Vincent Bataillon.
Bel Air Classiques

Clairemarie Osta - Benjamin Pech

Après avoir bien distribué l’hommage à Jerome Robbins sur le réseau télévisuel, Bel Air Classiques sort enfin le programme sur DVD, trois ans après son enregistrement.
L’affiche ayant été reprise l’année dernière avec quelques modifications de distribution, il aurait peut-être été souhaitable d’attendre pour la conservation numérique de cette soirée, mais la fraîcheur des ballets de Robbins et l’hommage de Benjamin Millepied dans leurs interprétations de 2008 sont néanmoins très intéressants.

Stéphane Bullion - Agnès Letestu

Sur l’ensemble de l’affiche, In The Night, semble se dégager comme l'opus majeur de la soirée, et permet de conserver un témoignage de la délicate Delphine Moussin dans le troisième pas de deux, alors que mis à part la captation de La Dame aux camélias, cette magnifique interprète n’a pas laissé beaucoup de témoignages de son art.

Nicolas Le Riche - Delphine Moussin

La Source 22 octobre-12 novembre 2011

2011-10-22T22:30:00.000-07:00

La Source
Ballet en deux actes et trois tableaux
Livret d'après Charles Nuitter et Arthur Saint-Léon
Musique - Léo Delibes, Ludwig Minkus (version réalisée par Marc-Olivier Dupin)
Chorégraphie - Jean-Guillaume Bart
Décors - Eric Ruf
Costumes - Christian Lacroix
Lumières - Dominique Bruguière
Dramaturgie - Clément Hervieu-Léger, Jean-Guillaume Bart
Création

Orchestre de l'Opéra national de Paris
Direction musicale - Koen Kessels

Ludmila Pagliero (Naïla)

Argument (source : Opéra de Paris)

Argument écrit par Clément Hervieu-Léger et Jean-Guillaume Bart d'après celui conçu en 1866 par Charles Nuitter et ArthurSaint-Léon. Certains personnages ont été supprimés, notamment la Bohémienne, Morgab et le gardien du harem Sinjar. Le découpage musical a été revu en conséquence, certains passages ayant été remplacés par des extraits d'autres œuvres de Léo Delibes. Le compositeur Marc-Olivier Dupin a réalisé les révisions et les orchestrations musicales.

Les personnages Naila, esprit de la Source/Nouredda, promise au Khan/Dadje, favorite du Khan/Djémil, chasseur/Mozdock, frère de Nouredda/Zaël, Elfe de Naïla/Le Kahn/Elfes et Nymphes/Caucasiens et Caucasiennes/Odalisques

Mathias Heymann (Zaël)

ACTE 1 (Ludwig Minkus)

PREMIERE PARTIE - INTRODUCTION FANTASTIQUE

Une clairière dans les montagnes du Caucase, une source qui coule entre les rochers. Le jour n'est pas encore levé abandonnant les lieux aux êtres immatériels qui peuplent la nuit.Au milieu de ce rituel nocturne qui voit les nymphes rendre hommage à la source, paraît soudain Zaël, lutin familier et bondissant. Mais bientôt le jour se lève. Les êtres fantastiques ont disparu. La clairière appartient de nouveau aux hommes. Seul Zaël est demeuré, observant caché, comme entre deux mondes. Un jeune chasseur vient se désaltérer à l'eau de la source. Il se nomme Djémil.

Vincent Chaillet (Mozdock )

DEUXIÈME PARTIE - LA CARAVANE DES CAUCASIENS
Entre alors une caravane de voyageurs. Le cortège s'organise autour d'une somptueuse litière recelant une beauté précieuse que l'on conduit vraisemblablement vers sa nouvelle demeure. Brûlant de voir celle que dissimulent tant de précautions, Djémil se cache pour observer à son tour.
Mozdock, à la tête de la caravane, ordonne d'établir le campement dans la clairière. Descendant de la litière et visiblement en proie à la mélancolie, sa sœur Nouredda, la jeune élue, danse entourée des autres femmes. Au milieu de ses suivantes, la jeune femme se dévoile peu à peu, révélant son incomparable beauté. Demandant aux femmes de s'éloigner, Mozdock invite alors sa sœur à danser: elle ne doit pas se laisser aller à la mélancolie.
Suivant les ordres de son frère, Nouredda continue de danser, tâchant tant bien que mal de dissimuler son inquiétude et sa tristesse. Tandis que Nouredda rejoint ses suivantes qui réajustent son voile sur son visage, les hommes se mettent à danser à leur tour.

Isabelle Ciaravola (Nouredda)

TROISIÈME PARTIE - LE MONDE DE NAILA
II est temps pour la caravane de se remettre en route. Mais au moment de partir, Nouredda aperçoit, en haut d'un rocher, une de ces fleurs de montagne à l'éclat singulier. Attentifs au moindre de ses désirs, les hommes de son escorte tentent de la cueillir pour la lui offrir. Aucun d'eux n'y parvient.
Djémil, qui assiste à la scène, décide alors de sortir de sa cachette pour essayer à son tour. Il connaît bien cet endroit et parvient rapidement à grimper au sommet du rocher. Aidé sans le savoir par Zaël, Djémil cueille la fleur tant convoitée et vient en faire présent à Nouredda. Celle-ci semble contente quoique son visage reste largement dissimulé. Djémil est fasciné et dans un élan irréfléchi, il arrache soudain le voile de la jeune fiancée pour contempler son visage à découvert. Nouredda recule en laissant tomber la fleur tandis que Mozdock et ses hommes se jettent sur Djémil et le rouent de coups. Enfin les voyageurs repartent abandonnant le jeune homme sans connaissance.

Ludmila Pagliero - Karl Paquette (Djemil)

Le silence se fait dans la clairière. Le temps même semble s'arrêter. C'est alors qu'apparaît Naïla. Elle est l'esprit de la source. Naïla connaît Djémil qu'elle voit chaque jour parcourir la montagne. Elle s'approche de lui. Djémil reprend peu à peu connaissance. Mais troublé par cette soudaine apparition, le jeune homme ne sait s'il est bien revenu à la réalité.
Naïla recule faisant place aux nymphes qui apparaissent à leur tour. Djémil voudrait la suivre, mais les nymphes l'en empêchent. Accompagnée de Zaël et des elfes, Naïla réapparaît. Zaël tient la fleur que Djémil avait cueillie pour la belle Nouredda. Naïla révèle au jeune homme qu'il s'agit là d'un talisman auquel se soumettent tous les esprits de la forêt, un talisman qui la lie à la vie et à la mort.
Naïla demande à Djémil de lui dire ce qu'il souhaite. « Rejoindre cette jeune fille dont j'ai vu le visage, répond-il, et être vengé». Le confiant aux soins de Zaël, Naïla lui ordonne de partir. Elle lui promet d'exaucer son vœu.

ACTE II

PREMIER TABLEAU - LE PALAIS DU KHAN (Léo Delibes)

PREMIÈRE PARTIE - CHEZ LE KHAN
Dans le palais du Khan, les filles du sérail attendent l'arrivée de la nouvelle favorite. Le Khan fait son entrée, impatient de découvrir sa promise. Les odalisques dansent pour tenter de distraire le Khan. Au loin, le signal retentit soudain : la nouvelle fiancée arrive. Le Khan demande à ses femmes de sortir.
Accompagnée de son escorte, Nouredda est présentée devant le Khan. Celui-ci est ébloui de sa beauté. Tandis que la nouvelle favorite sort pour revêtir ses nouveaux atours, Mozdock ordonne à sa suite de célébrer les fiançailles du Khan. Un divertissement est donné en l'honneur de Nouredda.

Nolwenn Daniel (Dadjé)

Au milieu des danses et des réjouissances, on annonce l'arrivée de troubadours itinérants venus proposer leurs services au Khan. Celui-ci ordonne qu'on les fasse venir. Les troubadours font leur entrée, mais sous leurs costumes, il s'agit en réalité de Djémil suivi de Zaël et des elfes. Les troubadours multiplient les tours de magie au milieu de la cour, faisant apparaître et disparaître des cadeaux précieux.

Isabelle Ciaravola - Christophe Duquenne (Le Khan)

Une dispute éclate entre Nouredda et Dadjé. Le Khan fait alors sortir les femmes pour faire revenir le calme. Seule reste Nouredda qui remarque soudain, parmi les présents, la fleur à l'éclat singulier qu'elle avait tant désirée en passant près de la source. Elle veut la prendre, mais Zaël s'en saisit avant elle. Semblant répondre à l'appel de la fleur, Naïla apparaît soudain au milieu de la foule. Nul ne sait comment elle est entrée dans le palais du Khan. Elle est là. Et chacun de s'étonner et de l'admirer.

Fasciné par la beauté de Naïla, le Khan ne parvient plus à la quitter du regard, oubliant en un instant les charmes de Nouredda. Il invite la jeune inconnue à parader à ses côtés. Ainsi Nouredda voit son étoile pâlir. Toujours vêtu en troubadour, Djémil tente de faire diversion.
La réaction du Khan à l'égard de Naïla plonge Mozdock et Nouredda dans l'incompréhension. Chez les circassiens, cette incompréhension cède bientôt la place à la colère. Nouredda, elle, est anéantie. Djémil tente d'attirer son attention.

Christophe Duquenne - Ludmila Pagliero

Le Khan n'a cure de cette agitation. Il invite Naïla à danser aux yeux de tous: la jeune femme régnera désormais seule sur son harem. Mozdock est hors de lui. Repoussant Djémil, Mozdock demande au Khan de s'expliquer. Mais celui-ci lui ordonne de partir sur le champ, lui et sa suite. Les circassiens sont contraints de quitter le palais du Khan. Les troubadours, emmenés par Zaël, les escortent avec provocation. Djémil est vengé, comme l'avait promis l'esprit de la source.

Mathias Heymann - Nolwenn Daniel

DEUXIÈME PARTIE - NOUREDDA HUMILIÉE
Humiliée, mortifiée, Nouredda, après avoir congédié son frère, reste seule dans le palais maintenant désert. Cherchant à la retrouver, Djémil revient sur ces pas. Il enlève alors son costume de troubadour et retrouve son apparence ordinaire. Les deux jeunes gens se font face et se reconnaissent. Naïla entre à son tour et les observe, témoin de l'amour de Djémil pour Nouredda. C'est alors que Mozdock revient chercher sa sœur pour partir. Il la surprend avec Djémil. Mais au moment où Mozdock s'apprête à se jeter sur Djémil, le temps semble soudain s'arrêter. Chacun est statufié, comme inanimé.Guidé par Zaël, Djémil prend Nouredda dans ses bras et quitte doucement les lieux. Quand Mozdock revient à lui, Djémil et Nouredda ne sont déjà plus là

Isabelle Ciaravola - Karl Paquette

DEUXIÈME TABLEAU - LE SACRIFICE (Ludwig Minkus, Léo Delibes)
Les nymphes prennent possession de la clairière et se mettent à danser avant de disparaître.
C'est alors que Djémil arrive, portant dans ses bras Nouredda inanimée. Zaël le conduit, cette même fleur toujours à la main. Mais bientôt Zaël se retire, laissant ainsi les deux jeunes gens. Au milieu des nymphes revenues, Naïla apparaît à son tour. Après la danse, Naïla demande à ses compagnes de quitter les lieux. Maintenant seule, Naïla regarde Djémil tenant Nouredda contre lui.

Isabelle Ciaravola

La voyant seule, Djémil s'adresse à Naïla. Il lui demande comment faire revenir à elle Nouredda. Naïla s'approche du jeune homme et semble vouloir le toucher. Djémil demeure interdit.
Naïla, surprise elle-même d'éprouver des sentiments humains, lui fait alors l'aveu de son amour pour lui: elle l'aime.
Djémil, désolé, lui redit sa fidélité à Nouredda. Naïla montre à Djémil la fleur que ce matin il avait cueillie pour plaire à la belle Nouredda. Grâce à cette fleur, elle peut accéder à ses désirs: Nouredda vivra et l'aimera, mais c'est elle alors qui perdra la vie.
Nouredda revient à elle tandis que Naïla semble s'épuiser peu à peu. Nouredda et Djémil se rejoignent.
Naïla s'éteint dans les bras de Zaël.


Mathias Heymann - Ludmila Pagliero

Distribution de la Première mondiale, 22 octobre 2011
Naïla : Ludmila Pagliero
Djemil : Karl Paquette
Nouredda : Isabelle Ciaravola
Mozdock : Vincent Chaillet
Le Khan : Christophe Duquenne
Dadjé : Nolwenn Daniel

Jean-Guillaume Bart

Miscellaneous

2011-10-16T21:00:00.000-07:00

Phèdre - Psyché

2011-10-07T12:05:00.000-07:00

Stéphane Bullion - Marie Agnès-Gillot

La saison du Ballet a donc commencé par cette soirée Phèdre-Psyché, tintamarre et choc visuel dont on peut tirer quelques richesses et satisfactions, mais pas forcément de grands émois.
Comme souvent un peu de remous dans les distributions a tiré le spectateur de sa torpeur et parfois de sa circonspection, en, sinon provoquant l’exaltation, permettant de suivre jusqu’au bout avec un intérêt renouvelé ce qui s’annonçait comme une routine à trois distributions relativement peu originales dans les deux ballets constituant cette affiche.

D’abord sur Phèdre de Serge Lifar, Agnès Letestu a dû renoncer à sa dernière apparition laissant Marie-Agnès Gillot gagner amplement à côtoyer Stéphane Bullion et Yann Saïz qui avaient contribué la veille au triomphe indiscutable d’Agnès Letestu.

Stéphane Bullion - Yann Saïz

Même si préférer la force à la psychologie peut-être discutable ou argumentable pour imposer cette Phèdre, Marie-Agnès Gillot a dû, par obligation, se mettre à l’écoute de ses deux partenaires plutôt fins et réflexifs dans leurs compositions théâtrales, très habités par leurs rôles. Stéphane Bullion et Yann Saïz avaient conçu Thésée et Hippolyte dans un mélange de jeux subtils, de regards riches de sens, de pauses marquées qui donnaient parfois une impression illusoire de ralenti, et alors qu’elle n’était pas poussée à l’extrême par l’Oenone de Sabrina Mallem qui n’a pas le tranchant d’Alice Renavand, la tonalité d'ensemble a fortement atténué l'esprit mécanique qu'elle avait voulu donner en forçant les traits de l'héroïne.

Stéphane Bullion

C’est au final, peut-être dans cette représentation inédite de dernière minute que sa Phèdre a pu s’exprimer le mieux. Yann Saïz et Marion Barbeau, les nouveaux venus de la série ont quant à eux restitué la théâtralité de Lifar, avec tact et justesse dans le pas de deux symbolique de l’amour si peu valorisant pour les danseurs.

Stéphane Bullion - Clairemarie Osta

Sur la création d’Alexeï Ratmansky, défection également donc de Benjamin Pech qui, si elle a encore sollicité la flexibilité remarquable de Stéphane Bullion dans l'adaptation aux situations d'urgence, a profité pleinement à Clairemarie Osta, enfermée jusqu'alors par l’interprétation peu inspirée, loin du féerique ciblé, de son partenaire désigné à l’origine. Même si la fluidité du partenariat s’est réglée au fur et à mesure dans ses deux premières avec ses nouveaux partenaires, Clairemarie Osta a mis en oeuvre ses immenses qualités dramatiques à la fois avec Stéphane Bullion, avec qui elle a commencé à danser la saison dernière dans Caligula et Les Enfants du Paradis, et bien sûr Mathieu Ganio, partenaire plus habituel ; celui-ci n'a pourtant n’a pas été envoyé au feu en premier, ce qui a d’ailleurs hélas privé pour l’occasion Stéphane Bullion de deux Thésée, qu'il avait déjà eu peu de temps de répéter en raison du remplacement impromptu d'Hervé Moreau sur la Première le 22 septembre.

Stéphane Bullion - Clairemarie Osta - Alice Renavand

Ces deux associations inédites et pourtant réussies n’ajoutent rien à l’indigence de la créativité d'Alexeï Ratmansky mais ont vraiment aidé à apporter une nouvelle vision sur le ballet, un peu trop tourné à la sophistication mondaine par Aurélie Dupont et expédié à toute vitesse par une Dorothée Gilbert paraissant quelquefois pressée d’en finir (ce qui est compréhensible) mais dont la recherche du plaisir personnel a souvent laissé Mathieu Ganio au bord du chemin. Avec Clairemarie Osta, celui-ci s’est installé dans un dialogue montrant une vision du personnage simple mais agréable, répondant bien à la douce candeur d'une Psyché rêveuse, alors que Stéphane Bullion, toujours pénétré de son Eros ludique et riant, servait avec bonheur cette magnifique danseuse à l’apogée de son épanouissement artistique.

Le Jeune Homme nu (H.Flandrin, 1855) - Stéphane Bullion

Pour le reste, les 50 minutes du ballet s’égrenaient longuement comme lorsqu’on observe un sablier dont on a peur qu’il ne s’engorge, la musique de César Franck, larmoyante à mourir faisait passer celle de George Auric pour un chef d'œuvre d’originalité!

Parfois, l'esprit vagabondait mais aussitôt les inspirations du chorégraphe se dressaient individuellement, évidentes dans le Dream de Frederick Ashton, ou même le Alice in Wonderland de Derek Deane (mais il n’a pas eu l’impudence de mettre un lapin… quoi que… ) ou même lorgnant du côté de la peinture avec Hippolyte Flandrin et son Jeune Homme au bord de la mer pour son Eros boudeur, voire évoquaient les portés glissés sur le dos vus très récemment chez José Martinez… et d’autres emberlificotages des bras à la Balanchine… Ce n'est pas en l'esprit forcément rédhibitoire, mais ici à la fin, cela faisait beaucoup, le temps était passé, mais à quoi bon ?

Stéphane Bullion - Clairemarie Osta

Eros et Psyché

2011-10-01T13:43:00.000-07:00

Stéphane Bullion - Clairemarie Osta

Phèdre et Thésée

2011-09-28T23:18:00.000-07:00

Agnès Letestu

Agnès Letestu s’approprie Phèdre comme une douleur de vivre intériorisée dont parfois les feux se lisent à l’extérieur mais dont souvent, seul le regard meurtri ou féroce laisse transparaître la force. les gestes n'étant que la fin de l'intention Sa Phèdre est majestueuse et domine parce qu’elle est profondément mystique, lorsqu’elle s’interroge sur ses raisons de vivre, un rien intriguée et humaine lorsqu’elle pense ou regarde Hippolyte. Vaniteuse, humiliée et meurtrie, elle dépose les armes devant Thésée, l’impitoyable.

Agnès Letestu excelle dans cette progression des sentiments apparaissant alors dans la position ambiguë de ce spectre d’une force externe à l'allure puissante mais dotée cependant de la faiblesse intérieure de l’amour interdit, le poids du remords et la honte faisant le reste de sa destinée. Elle s’impose sur scène par ses mouvements précis, secs et rapides.

Stéphane Bullion

L’Hippolyte de Josua Hoffalt est tour à tour joueur et fier, flamboyant sans son entrée, un peu comme son père Thésée, mais il apparaît rapidement, fils, humilité devant le Roi, réservé avec sa belle-mère. Avec Aricie, l’amour interdit, il arbore la posture de la séduction détachée et une attitude ambiguë, celle-là même qui le pousse dans un premier temps à ne pas rejeter les attentions de Phèdre, comme s’il s’en amusait, pour mieux s’en éloigner avec violence au moment où elle exprime clairement ses intentions. Alors, Phèdre scelle le destin d’Hippolyte qui après une rencontre des plus froides avec son père à son retour, se voit condamner impitoyablement à mourir, d’un doigt qui ne nécessite aucun commentaire.

Stéphane Bullion

Stéphane Bullion incarne un Thésée à la froide détermination. Allure altière, cheveux en flamme, il semble ici descendre de l’Olympe alors qu’il remonte des enfers. Au premier pas sur scène, son aura irradie, roi indiscutable à qui l’on doit obéissance, indiscutable guerrier triomphant.

La Phèdre d’Agnès Letestu y trouve immédiatement son maître, dialogue impossible entre l’immédiate culpabilité de ses pensées et de son mensonge qui condamne Hippolyte, et celui à qui on ne résiste pas.

Stéphane Bullion

Thésée apparaît comme inatteignable, la présence spectrale de Stéphane Bullion n’invite pas au compromis et à la discussion. Son Thésée lent et majestueux imprime à chaque geste une puissance à la fois indiscutable mais subtile qui prend sa force dans la musique qui caractérise son apparition. Sans systématiquement aller au plus simple, mais en effectuant un vrai travail de lecture de l'oeuvre, il utilise avec bonheur l'immobilité pour quelquefois en faire un contrepoint, les jambes acérées, mais terriennes, les épaules dominantes sous son armure pourtant difficile à porter.

Stéphane Bullion - Agnès Letestu

Avec un remarquable talent de tragédien, Stéphane Bullion utilise avec bonheur les poses lifariennes auxquelles il imprime du sens. Thésée majestueux au port de tête impérieux, Thésée serein aux bras ouverts vers le monde qu’il domine, Thésée qui comprend la trahison aux doigts contractés, Thésée calculateur aux positions félines d’un prédateur à l’affût, Thésée, les yeux écarquillés, qui s'adresse aux dieux pour les prendre à témoin de la trahison des siens.

Plus le ballet avance, les gestes se minimalisent, les yeux s’enfoncent dans les orbites et il ne reste plus qu’à rejeter une dernière fois Phèdre dans un corps à corps inexorablement dédaigneux, mais c’est dans le regard de Thésée que Phèdre trouve la mort.

Stéphane Bullion - Agnès Letestu

Première Phèdre - Psyché 22 septembre 2011

2011-09-22T23:33:00.000-07:00

Stéphane Bullion dans Psyché

Psyché

Psyché Aurélie Dupont

Eros Stéphane Bullion

Vénus Amandine Albisson

Deux soeurs Mélanie Hurel et Karine Wiart

Phèdre

Phèdre Marie Agnès Gillot

Thésée Nicolas Le Riche

Hippolyte Karl Paquette

Oenone Alice Renavand
Aricie Myriam Ould-Braham

Transposition théâtrale avec un découpage suivant assez bien la pièce de Racine, le ballet de Serge Lifar appartient à un autre monde qu’il faut d’emblée historiciser. Produit de son temps, la chorégraphie à la fois technique et très stylisée soutenue par une musique qui ne fait pas dans la dentelle de George Auric met en relief des costumes et des coiffes qu’il est difficile de nos jours de regarder d’un œil neutre. Cela nécessite de se couper totalement de la réalité et c’est en ce sens que le couplage avec Psyché se justifie totalement. Mais à la différence de Psyché où le décor offre une niche onirique, Phèdre met en avant les danseurs, ce qui accentue l’effet théâtral de cette tragédie chorégraphique.

Marie-Agnès Gillot - Alice Renavand dans Phèdre

De cette première, c’est Alice Renavand qui retire tous les éloges, fantastique Oenone, âme damnée impitoyable de Phèdre et maîtresse de l’action. Marie-Agnès Gillot semble souvent avoir du mal à sortir de sa gestuelle pour mettre en relief l’âme profonde et le dilemme de Phèdre, que ce soit face à l’Hippolyte de Karl Paquette ou dans sa confrontation avec l’hermétique Thésée de Nicolas Le Riche, qui encore une fois ici joue grand, abordant le ballet avec l’outrance nécessaire à la quasi parodie dont il sait ne jamais franchir les limites. Le corps de ballet paraît de tous le plus subir l’époque de la création. Si la juxtaposition un peu brutale et marquée des pas chez les solistes sert l’histoire, elle plonge les groupes dans des exercices de style un peu ubuesques.

Nicolas Le Riche

A l’inverse, les personnages de Psyché paraissent tous petits dans ce gigantesque décor symboliste de Karen Kilimnik dans lequel le virevoltant Eros de Stéphane Bullion trouve tout l’espace que sa danse emphatique aimerait sans doute avoir plus souvent, alors que la délicate Psyché d’Aurélie Dupont n’en paraît que plus fragile.
Le délire Fantasy d’Alexei Ratmansky en revanche s’appuie sur des repères très identifiables de la danse classique et néo-classique, dans la gestuelle et dans la fluidité des adages par exemple mais aussi dans l’esprit. Il n’y a guère d’originalité dans cette chorégraphie qui se met au service de l’histoire et qui contrairement à Phèdre n’est pas soutenue par une musique pompière mais plutôt plombée par celle sirupeuse de César Franck, et c'est parfois sans doute en raison de celle-ci que Ratmansky frôle la mièvrerie dans sa chorégraphie.

Stéphane Bullion

Là encore, les costumes sont source de malentendu. S’il est possible d’historiciser Cocteau et peut-être ses maladresses, il est plus difficile sur le moment de comprendre comment les fleurs et surtout les animaux élaborés par Adeline André peuvent se justifier. Si l’intention parodique est d’évidence sous jacente, il ne paraît pas outrancier de dire qu’elle n’a pas atteint son but, et seule Psyché s’en sort bien, Eros tout juste et il y a fort à parier que seuls la silhouette élancée et le sourire taquin de Stéphane Bullion sauvent l’essentiel des apparences pour cette création en ce soir de Première.

Stéphane Bullion - Aurélie Dupont

Accomplissant une nouvelle métamorphose dans le fil de sa carrière, ce dernier rayonne de solarité dans le ballet, loin des personnages tourmentés qui lui ont jadis si bien réussi. L’électricité de la chorégraphie qui est dévolue à Eros lui permet de déployer un personnage ludique et lumineux avec la sincérité qu’on lui connaît, ouvert sans pudeur vers l’extérieur dans son solo elfique. Face à lui, Aurélie Dupont présente une Psyché beaucoup plus réservée, comme timide. Si sa danse reste magistrale, elle garde une réserve dans l’interprétation et ne s’abandonne pas totalement dans les pas de deux, pourtant d'une grande fluidité technique. Les deux danseurs faisaient leurs débuts en tant que duo. N’ayant que très peu répété ensemble puisque Stéphane Bullion a pris le rôle à la dernière minute suite à la défection d’Hervé Moreau , ils sont pourtant déjà très au point mais il est probable que les prochaines représentations développeront la bonne entente que l’on perçoit déjà. Pour compléter le duo, Amandine Albisson qui remplaçait Eve Grinsztajn est une Venus à la jalousie bon enfant et la douceur du ballet qui respire au rythme des visages éclairés des solistes domine dans l'action. Ainsi, cette distribution surprise et inédite s'est emparée de la première création mondiale de la saison d'une main de maître livrant à la douce nuit parisienne d'automne un beau sujet de rêverie.

Koen Kessels - Aurélie Dupont - Stéphane Bullion

Serge Lifar/Alexei Ratmansky 21 septembre-6 octobre 2011

2011-09-22T22:42:00.000-07:00

Orchestre national d'Ile-de-France

Direction musicale - Koen Kessels

Phèdre
Tragédie chorégraphique en un acte de Jean Cocteau
Musique - Georges Auric (1950)
Action dansée - Serge Lifar
Rideau, décors et costumes - Jean Cocteau
(Chorégraphie réglée par Claude Bessy)
Ballet créé par le Ballet de l'Opéra de Paris le 14 juin 1950

Marie-Agnès Gillot

Argument (source : Opéra de Paris)
« Un mythe est un mythe parce que les poètes le reprennent et l'empêchent de mourir
Nul ne doit ignorer celui de Phèdre, petite fille du soleil.
Par la parole ou par la danse, glorifions-le. »
JEAN COCTEAU

1. Phèdre refuse que les femmes l'ornent.
2. Elle voit, auprès d'Œnone, Hippolyte sur son char.
3. Elle fuit devant les compagnons d'Hippolyte.
4. Aricie intimide les compagnons d'Hippolyte. Ils laissent Hippolyte seul avec elle.
5. Danse d'Aricie et Hippolyte.
6. On voit Phèdre avouer à Œnone son amour pour Hippolyte.
7. Déclaration de Phèdre vers Hippolyte. Elle n'est pas coupable puisque Thésée est mort.
8. On voit au loin le retour de Thésée.
9. Joie des matelots et des suivantes.
10. Joie des compagnons d'Hippolyte.
11. Phèdre chasse Œnone.
12. Thésée retrouve son fils qui avoue son amour pour Aricie.
13. On voit Œnone se précipiter dans la mer.
14. Thésée retrouve Phèdre. Phèdre apprend qu'elle a une rivale et accuse Hippolyte
15. Thésée demande son aide à Neptune. Neptune paraît. Les vagues envahissent la scène
16. On voit Hippolyte mort, trainé par ses chevaux.
17. Phèdre a bu le poison. Elle vient avouer son crime.
18. Elle tombe morte.
19. On voit Apollon qui a tiré sa flèche. À sa droite et à sa gauche, Minos et Pasiphaé.
20. Minos et Pasiphaé descendent sur le théâtre.
21. La mère recouvre sa fille avec son manteau rouge.

Le retour de Thésée
Nicolas Le Riche

Psyché
Musique - César Franck
Chorégraphie - Alexei Ratmansky
Décors - Karen Kilimnik
Costumes - Adeline André
Lumières - Madjid Hakimi
Chœur de Radio France
Chef de choeur - Denis Comtet
Création

Stéphane Bullion - Aurélie Dupont

Argument (source : Opéra de Paris)

Psyché arrive à Hadès, royaume de la mort, où elle sombre dans un profond sommeil.
Ici commence l'oeuvre de César Franck.

PREMIÈRE PARTIE
1. Le sommeil de Psyché. Lento
2. Psyché enlevée par les zéphirs. Allegro vivo

DEUXIÈME PARTIE
3. Les jardins d'Éros. Poco animato

4. Lento
Amour! Source de toute vie!
Dieu jeune et fort aux traits vainqueurs!
Salut, ô puissance bénie,
Salut, ô doux tyran des cœurs!
Tu remplis tout d'une sainte allégresse,
Tes pas fécondent les sillons.
La terre maternelle enfante avec ivresse
Quand sur elle descend l'ineffable caresse
Du grand ciel, son époux, inondé de rayons.
0 blanche sœur des lys, plus douce que l'aurore
Et plus belle que la beauté,
Ne sens-tu pas un doux désir éclore
Dans ton sein agité ?
Écoute au loin les invisibles lyres
Soupirer doucement dans l'air harmonieux!
Il va venir, l'époux mystérieux,
Dans ton sein virginal,
Verser de saints délires.
Vois pour toi s'entrouvrir les portes du palais.
Mais, Psyché, souviens-toi
Que tu ne dois jamais
De ton mystique amant connaître le visage.
Obéis sans comprendre
Au destin toujours sage.
Psyché, Rappelle-toi!

5. Psyché et Éros. Adantino ma non troppo lento .

Amandine Albisson - Stéphane Bullion

TROISIÈME PARTIE
6. Le châtiment. Quasi lento

Amour,
Elle a connu ton nom.
Malheur sur elle!
Parmi le doux mystère,
Aux bonheurs épurés,
Le doute a pris le cœur de la jeune immortelle.
Son châtiment commence
Et sa peine est cruelle,
Loin des jardins d'Éros et des parvis sacrés,
La voici maintenant errante sur la terre,
Et les sentiers sont durs à ses pieds déchirés.
Amère voyageuse et partout solitaire,
Elle va sanglotant au regret du mystère
De bleus jardins d'Éros et des parvis sacrés.
Et toujours s'agrandit la nuit intérieure,
Et le vent seul entend ses cris désespérés!
Nul espoir ne descend sur elle et ne l'effleure.
Amour,
Elle a connu ton nom, mais elle pleure.
Rends-lui les bleus jardins et les parvis sacrés.

Stéphane Bullion - Aurélie Dupont

7. Souffrances et plaintes de Psyché. Lento
8. Le pardon de Psyché. Apothéose

Éros a pardonné.
Tressaillez ciel et terre!
Relève, tu le peux. Psyché, ton front pâli.
Souvenir douloureux de la faute première,
Sois couvert à jamais d'un éternel oubli.
Et toi, couple divin, monte dans la lumière.
Le miracle d'amour est enfin accompli.

Distribution de la Création, 22 septembre 2011
Psyché Aurélie Dupont
Eros Stéphane Bullion
Vénus Amandine Albisson
Deux soeurs Mélanie Hurel et Karine Wiart

(Première du 21 septembre 2011 annulée en raison d'une grève à l'Opéra national de Paris)

Saison 2011-2012

2011-09-22T21:30:00.000-07:00

Bye Bye 2010-2011

2011-07-26T06:50:00.000-07:00

Saison 2010-2011

2011-07-20T06:43:00.000-07:00

Roland Petit
Rendez-vous, Le loup, Le Jeune homme et la mort
22 septembre-9 octobre 2010, Opéra Garnier
Programme - Recension
Le Jeune homme et la mort - Hommage - Artistes

Paquita
Pierre Lacotte
18 octobre - 7 novembre 2010, Opéra Garnier
Programme - Recension
Stéphane Bullion-Emilie Cozette-Yann Saïz
Adieux de Bertrand Belem

Le Lac des cygnes
Rudolf Noureev d'après Marius Petipa et Lev Ivanov
29 novembre 2010 - 5 janvier 2011, Opéra Bastille
Programme - Recension
Rothbart - Odette et Rothbart - Siegfried - Odette et Siegfried - Odile - Odette
Rencontre - Objectif Lac

George Balanchine - Trisha Brown - Pina Bausch
Apollon, O Zlozony / O Composite, Le Sacre du printemps
10-31 décembre 2010, Opéra Garnier
Programme
Rencontre Apollon

Caligula
Nicolas Le Riche
31 janvier - 24 février 2011, Opéra Garnier
Première - Recension
Mnester - Dérision

Coppélia
Patrice Bart
17-30 mars 2011, Opéra Garnier
Programme - Adieux Patrice Bart
Rencontre

Roméo et Juliette
Rudolf Nouréev
11-30 avril 2011, Opéra Bastille
Programme - Recension
Tybalt

Mats Ek
La Maison de Bernarda - Une Sorte de...
20-29 avril 2011, Opéra Garnier
Programme - Recension
L'Homme - Rencontre

Rain
Anne Teresa De Keersmaeker
25 mai - 7 juin 2011, Opéra Garnier
Programme - Recension

L'Anatomie de la sensation
Wayne McGregor
2 juillet - 15 juillet 2011, Opéra Bastille
Programme- Recension
Rencontre

Les Enfants du Paradis
José Martinez
30 juin - 15 juillet 2011, Opéra Garnier
Programme - Recension
Baptiste
Adieux de Miteki Kudo - Adieux de José Martinez

Les Enfants du Paradis

2011-07-18T12:25:00.000-07:00

Stéphane Bullion (solo de l'acte 2 au théâtre des Funambules)

La luxuriance de l’histoire racontée par José Martinez fait apparaître des oasis dans lesquels il faut plonger pour découvrir des individus très bien caractérisés qui nourrissent de leur force la fresque grandiloquente. En cette période de créations souvent ascétiques et épurées, la mise en ballet du film de Marcel Carné joue sur la profusion et les couleurs chatoyantes des costumes d’Agnès Letestu en rajoutent sans doute un peu. Le ballet, plus que le film, met en exergue de multiples personnages dont l’importance se dilue un peu même si elle est intrinsèque à l’histoire.
Mettre en ballet ce film culte, est à double tranchant. Si la trame est solide, les images des acteurs, à une époque où l’excès de théâtralité était de mise, ayant marqué les rôles sont également très fortes. Elles laissent cependant une marge pour s’en écarter. Dans cet esprit, les danseurs qui abordaient dans cette série les rôles pour la première fois ont peut-être bénéficié de la distance prise avec le film pour cette première reprise. De fait, les distributions proposées en 2011 présentent des spectacles assez différents et le ballet narratif met parfaitement à l’honneur les choix interprétatifs de ses danseurs.

Stéphane Bullion (Mime sur le boulevard du Temple - Acte 1)

Le scénario tourne autour de la relation triangulaire, Baptiste/Garance/Nathalie parasitées par moment par trois hommes, Lacenaire, Frédérick et le Comte, pour mettre en exergue l’amour irréalisable de Baptiste et Garance, finalement en filigrane dans la peinture d’un monde et d’une époque. Le ballet s’appuie sur trois pantomimes de Baptiste rythment le cours de l’histoire. Celle où sauvant Garance de la police, il la séduit. Celle où il découvre la relation entre Garance et Frédérick qui provoque son rapprochement avec Nathalie et celle où il retrouve Garance une fois sa vie avec Nathalie établie.

Stéphane Bullion - Agnès Letestu (dans la pension de Madame Hermine - Acte 1)

En mêlant les styles chorégraphiques, José Martinez caractérise ses personnages de manière fine et parfois peu évidente. Baptiste le mime est le plus complexe. Singularité du double rôle, le mime Deburau et Baptiste l’idéaliste, la chorégraphie contemporaine qui lui est dévolue place définitivement le personnage dans un autre paradigme, où finalement, il rejoindrait le triste Lacenaire, son pendant version irrémédiablement sombre. Si le mime est terrien, l'amoureux s'élève et entre dans le jeu classique, quand il danse avec Garance ou Nathalie. Mais dans l'ensemble, face à l’éclat de Frédérick Lemaitre, la pureté des lignes du comte, Baptiste doit sortir son charme de son visage dans les mimes et du sol dans sa danse.

Stéphane Bullion (solo de Baptiste dans la loge de Garance - Acte 1)

Mathieu Ganio qui a créé le rôle, présente un Baptiste linéaire, rêveur dans son mime comme dans la vie. Le personnage est simple, il se laisse porter par les événements, peu véhément lorsqu’il refuse l’amour de Nathalie, on comprend alors bien pourquoi il va lui céder, mais aussi peu incisif face à Garance, qu’il va naturellement laisser s’échapper. Il est vrai qu’Isabelle Ciaravola est une croqueuse d’homme qui irradie sur scène comme un diamant en plein soleil, laissant peu de place à qui la côtoie. Cela dit, il ne saisit pas vraiment sa chance non plus avec Ludmila Pagliero qu’il éteint même un peu alors que Stéphane Bullion, avec qui il avait la chance de la partager pour chacun une représentation, met beaucoup plus en valeur le dynamisme de son tempérament dans des interactions électriques.

Isabelle Ciaravola (le carnaval - Acte 2)

Mathieu Ganio laisse alors l’impression d’un Baptiste asexué, qui même dans l’ultime pas de deux, ne voit guère plus qu’une image dans sa partenaire. Il s'applique à polir sa danse au plus haut point mais parfois met trop de fluidité lorsqu’il y aurait besoin d’épaisseur dramatique et de rendre les mouvements de l’ultime passion. Somme toute, lorsque Garance s’enfuie, on ne croit pas qu’il veut la rejoindre, il est tellement plus beau pour l'histoire qu'elle parte. Mais il n’avait pas beaucoup de chance avec Isabelle Ciaravola qui parcoure le ballet avec une joie de danser au premier acte et une classe unique dans le deuxième. A la différence de son Baptiste, son excellence théâtrale joue à plein et chaque pas est magnifié par sa flamboyante personnalité, débordant d’un charisme rare, même dans le malheur. A cet égard et paradoxalement, le pas de deux mortifère avec le comte de Christophe Duquenne est presque le moment le plus émouvant du ballet.

Isabelle Ciaravola - Christophe Duquenne (chez le comte de Montray - Acte 2)

Stéphane Bullion a délibérément adopté le parti pris de dépeindre de manière différente Baptiste le mime et Baptiste l’amoureux. Autant l’un est affirmé et magistral, rayonnant sur scène et maître de son image, autant l’autre est timide, lunaire et fuyant, d'ailleurs ici aussi de diverses manières, dans ses rapports avec Garance comme avec Nathalie. Le visage professionnel du mime Deburau est l’incarnation de son succès, drôle et efficace, il domine la scène dans les pantomimes d’une subtilité étonnante. L’inverse d’un Baptiste d’évidence mal à l’aise dans le monde, terrorisé par la volonté des femmes qui l’entourent, la trop sérieuse Nathalie qui ne le fait pas rêver, et l’insouciante Garance, celle de Ludmila Pagliero, plus proche car plus amoureuse que celle d’Agnès Letestu, séductrice affirmée qui semble se jouer de lui. Son Baptiste pur incarne la sincérité, celle du doute dans la chambre de Garance au premier acte lorsqu’il la refuse mettant alors en exergue ses craintes et sa timidité, ou celle de la fougue et la violence des sentiments trop longtemps contenus dans le pas de deux de la seconde époque.

Stéphane Bullion (sur le boulevard du Temple - Acte 1)

Au delà d’un personnage nourri de sentiments divers, Stéphane Bullion est puissamment impliqué dans la signification de sa danse, le solo de la colère terriblement ancré dans le sol mais perclus de sensualité ce qui lui donne son explosivité sensorielle. La colère chez lui est sentimentale, elle émane du corps autant que de l’esprit. Son Baptiste rêve à peine à ce que Garance lui cède, il cherche l’idéalisation de son amour. Cette ambigüité est d’autant plus flagrante avec la Garance d’Agnès Letestu qui cabotine au premier acte et ne semble avoir de regrets que sur elle-même dans le deuxième. Sa Garance, un rien égoïste, ne se pliera jamais à plus que de la nostalgie, alors que Ludmila Pagliero, plus en dialogue avec Baptiste, semble réellement pouvoir céder à la tentation de rester dans le dernier pas de deux qui la voit renaître à la joie. Stéphane Bullion, au summum de la fougue puis du désespoir dans sa variation voit Ludmila hésiter l’œil sincère, électrisée par les étincelles de joie qui précèdent, alors qu’Agnès semble désespérément déjà loin.

Stéphane Bullion (devant la loge de Garance - Acte 2)

Bruno Bouché qui reprenait encore le rôle cette année s’inscrit plus dans la linéarité de Mathieu Ganio en marquant son personnage d’une touche infiniment triste et noire. C’est lui qui rend le Baptiste le plus malheureux de vivre, et cette tristesse se transmet dans son mime fataliste. La force dominante de sa caractérisation lui permet un peu de gommer une technique moins affirmée que ses deux collègues, même si l’aspect contemporain des chorégraphies de Baptiste correspond bien à son rapport très moderne au sol. On regrette un peu que sa partenaire ne le provoque pas plus dans ses retranchements, car Eve Grinsztajn semble également avoir abordé le rôle de manière aussi linéaire, les rapports entre les deux personnages manquant singulièrement de piment.

Stéphane Bullion - Clairemarie Osta (au théâtre des funambules - Acte 1)

Clairemarie Osta retrouvait avec bonheur Stéphane Bullion après leur émouvant Caligula dans le rôle de Nathalie. Peut-être parce que ces deux danseurs sont de très fins acteurs et qu’une alchimie certaine les unie, c’est dans cette distribution qu’on a vu un choix délibéré de Baptiste vers une aimante Nathalie, voix de la raison, plutôt qu’une volage Garance. Le rôle essentiel mais néanmoins ingrat de Nathalie laisse en effet une ouverture dans l'interprétation que chacune des danseuses choisies ont saisi avec des accents différents. Muriel Zusperreguy et Mélanie Hurel et surtout Christelle Granier avec Mathieu Ganio, se sont en effet montrées plus incisives dans leurs démarches pour garder un Baptiste plutôt victime de leurs agissements que maître de ses choix.

Stéphane Bullion-Agnès Letestu- Florian Magnenet (Pantomime l'amoureux de la lune - Acte 1)

Les aléas du sort n’ont offert que deux Frédérick Lemaître cette saison suite à la défection d’Alessio Carbone. Le rôle se voyant dévolu le show off purement classique, Florian Magnenet et Karl Paquette ont recueilli moult acclamations d'un public retrouvant ses marques, en particulier après une première époque célébrant un rien plus l'art dramatique que l'art de la danse.
Florian Magnenet a dévoilé ici un aspect comique de son talent qu’on ne lui connaissait pas dans le mime, mais il a également pu déployer son aisance technique à travers une danse impressionnante, grande et aérienne dans le ballet néo-classique avec ses ballerines, ténébreux ombrageux dans l'interacte d'Othello avec Charlotte Ranson et Pauline Verdusen, leste et agile avec la Garance d’Agnès Letestu.

Desdémone - Pauline Verdusen (Othello)

Dans l’ensemble, ce sont les hommes de cette dernière qui semblent avoir fait la distribution la plus homogène. Vincent Chaillet a campé un Lacenaire étourdissant de duplicité avec une classe assez significative, dans la danse comme dans le jeu, alors que Yann Saïz s’est montré un comte digne et aimant, sans doute moins retors que dans le film, mais n’ayant rien à envier au modèle créé et brillamment repris par Christophe Duquenne. Sébastien Bertaud n’a eu qu’une occasion de peaufiner son Lacenaire cette année mais il l’a fait de manière très marquante, un Lacenaire sournois et volubile, à l’opposé de celui de Vincent Chaillet, mais non moins efficace à provoquer quelques actions clés du ballet.

Stéphane Bullion - Vincent Chaillet (le bal chez le comte de Montray - Acte 2)

La fin de série des Enfants du Paradis a vu les adieux officiels de deux figures du ballet de l'Opéra de Paris. Il n’y a pas vraiment de sens à commenter artistiquement les adieux de José Martinez, même si on annonce déjà qu'il va revenir danser la saison prochaine, pas plus que ceux de Miteki Kudo la veille, deux danseurs qui auront marqué leur génération. L'ambiance festive du carnaval qui scelle théâtralement l'échec de la relation entre Baptiste et Garance n'affectant que les amants, leur a permis de fouler la scène dans la joie sans laisser place à la nostalgie.

L'Anatomie de la sensation

2011-07-16T09:19:00.000-07:00

Junior Addict

Wayne McGregor surfe sur les idées qui l’inspirent, peut-être ne faut-il pas chercher dans ses explications souvent intellectuellement bien documentées, autre chose que des catharsis, nécessaires et sublimant l’idée de sa danse électrique plus pathologiquement ancrée dans le(s) sens des mouvements que dans le mouvement des sens, prenant naissance dans une puissance de l’image et de l’enchaînement des figures, mais finalement ici, en essence anatomiste. Dans l’Anatomie de la sensation, l’appui sur la musique de Mark-Anthony Turnage, elle-même une expérience de confrontation entre son vécu et sa perception de l’œuvre du peintre, donne une ouverture au-delà du contact linéaire à Francis Bacon.
Si de Bacon, il semble donner l’écho d’un univers, plus que de l’œuvre elle-même, Wayne McGregors’approprie avec bonheur des images synthétiques prises plutôt à Gilles Deleuze ou John Maybury, comme ce fameux duo masculin introductif ou ce final, fin en soi d’un monde vécu par Bacon, que dans la production parfois symbiotique du peintre irlandais. Ainsi la conclusion répond à l’ouverture, comme un écho académique où le développement du propos prend corps dans les sept chapitres qu’elles encadrent.

Sweet and Decay

Quelle logique pour quel sens, quels sens ou sensation ? C’est sous forme de tableaux, manière dont il travaille habituellement et qui ici sert de clin d’œil symbolique au peintre, que Wayne McGregor lance des pistes, des ambiances. Plus qu’une gestuelle, différente pour chaque danseur, chaque couple qui va s’immerger dans une musique parfois ennemie lorsque le corps se rebelle, parfois amoureuse lorsque chaque geste en prolonge l’écho comme c’est le cas du solo du 2e mouvement ou dans le pas de deux central, Elegy for Andy, des instants de frénésie physique un brun humoristique dans Crackdow.

Mais la force de Wayne McGregor est qu’il livre une œuvre esthétique qui a une véritable ligne grâce à un vocabulaire qui lui est propre, des courbes des corps, des enchaînements saccadés mais toujours stylisés. Celle-ci est placée dans une scénographie et des lumières bien pensées qui entraînent un plaisir visuel simple et brut.
Cet aspect permet aussi de recevoir l’Anatomie de la sensation sans un travail intellectuel que, bien sûr, chacun peut réaliser mais qui nécessite sans doute une recherche que d’aucun n’est pas forcément à même de faire, que ce soit par manque de temps, de capacité ou d’intérêt.

Shout

Adieux José Martinez

2011-07-15T23:36:00.000-07:00

Adieux Miteki Kudo

2011-07-14T23:12:00.000-07:00

Hommage à Roland Petit (1924-2011)

2011-07-10T08:17:00.000-07:00

Derniers saluts à son public parisien en septembre 2010

Pour retrouver l'oeuvre de Roland Petit au répertoire de l'Opéra de Paris
Catalogue de l'exposition, 12 janvier-21 avril 2008, Palais Garnier
(sous la direction d'Alexandre Fiette, ONP-Somogy éditions d'art, 2007)

Baptiste

2011-07-03T00:01:00.000-07:00

Stéphane Bullion est Baptiste

Anatomie de la Sensation 2-15 juillet 2011

2011-07-02T14:02:00.000-07:00

L'Anatomie de la sensation
Musique - Mark Anthony Turnage (Blood on the Floor, 1994)
Chorégraphie - Wayne McGregor
Scénographie - John Pawson
Costumes - Moritz Junge
Lumières - Lucy Carter
Ensemble intercontemporain
Direction musicale Peter Rundel

Josua Hoffalt -Alice Renavand

Guitare électrique - John Parricelli
Batterie Jazz - Peter Erskine
Saxophone, clarinette - Martin Robinson
Guitare basse - Michel Benita
Son - Willi Bopp

Création mondiale

Distribution de la Première, 2 juin 2011
Jérémie Bélingard, Audric Bezard, Aurélie Dupont, Dorothée Gilbert, Marie-Agnès Gillot, Mathias Heymann, Josua Hoffalt, Myriam Ould-Braham, Alice Renavand, Simon Valastro

Les Enfants du Paradis 30 juin-15 juillet 2011

2011-06-30T22:58:00.000-07:00

Les Enfants du Paradis
Ballet en deux actes d'après le scénario de Jacques Prévert et le film de Marcel Carné
Musique - Marc-Olivier Dupin
Adaptation - François Roussillon et José Martinez
Chorégraphie - José Martinez
Décors - Ezio Toffolutti
Costumes - Agnès Letestu
Lumières - André Diot
Orchestre de l'Opéra national de Paris
Direction musicale Jean-François Verdier
Ballet créé pour le Ballet de l'Opéra de Paris le 21 octobre 2008

Stéphane Bullion

La description synoptique du ballet se trouve dans l'entrée sur le ballet de 2008 "Les enfants du paradis 21/10 - 8/11 2008"

(Première du 29 juin 2011 annulée en raison d'une grève à l'Opéra national de Paris)

Stéphane Bullion-Agnès Letestu

Stéphane Bullion

Distribution de la première représentation, 30 juin 2011
Garance Agnès Letestu
Baptiste Stéphane Bullion
Frédérick Lemaitre Florian Magnenet
Lacenaire Vincent Chaillet
Nathalie Clairemarie Osta
La ballerine Laura Hecquet
Le comte Yann Saïz
Madame Hermine Valentine Colasante
Desdémone Pauline Verdusen

Rain

2011-06-07T23:21:00.000-07:00


Florian Magnenet

"Wovon man nicht sprechen kann, darüber muß man schweigen"

(Ludwig Wittgenstein, Tractatus Logico-Philosophicus, 7)

Distribution de la Dernière, 7 juin 2011

Amandine Albisson, Adrien Couvez, Sarah Kora Dayanova, Christelle Granier, Juliette Hilaire, Laurence Laffon, Florian Magnenet, Marc Moreau, Charlotte Ranson, Caroline Robert

Rencontre Anatomie de la sensation

2011-05-28T10:25:00.000-07:00

Rencontre McGregor
Répétition de l'Anatomie de la sensation, Amphithéâtre Bastille, 28 mai 2011
avec Josua Hoffalt et Alice Renavand
Wayne McGregor et son mp3

Rain 25 mai - 7 juin 2011

2011-05-25T13:32:00.000-07:00

Musique – Steve Reich Music for eighteen musicians pour ensemble avec voix (1976)
Chorégraphie - Anne Teresa De Keersmaeker (2001)
Décors et lumières - Jan Versweyveld
Costumes - Dries Van Noten
Assistantes aux costumes - Aouatif Boulaich, Anne-Catherine Kunz
Responsable des répétitions - Jakub Truszkowski
Répétitions - Marta Coronado, Cynthia Loemij, Ursula Robb, Clinton Stringer
Assurées avec la collaboration de Fumiyo Ikeda, Elizaveta Penkova, Taka Shamoto, Igor Shyshko
Ensemble Ictus et Synergy Vocals
Direction Musicale - Georges-Elie Octors
Ingénieur du son - Alex Postier
Entrée au Répertoire

Ludmila Pagliero, Muriel Zusperreguy, Nicolas Paul, Aurélia Bellet

Propos (source : Opéra de Paris) :

Rain, créée en 2001 pour dix danseurs, est la première œuvre d’Anne Teresa De Keersmaeker qui entre au répertoire du Ballet de l’Opéra de Paris. Considérée comme l’une de ses pièces les plus ambitieuses, elle est composée sur l’une des grandes partitions de Steve Reich, Music for 18 Musicians, interprétée par l’ensemble Ictus, et s’inspire du roman éponyme de l’écrivain néo-zélandaise Kirsty Gunn. Longuement mûri, Rain a marqué le retour de la chorégraphe à une danse utilisant la musique pour unique support, après une période de créations plus théâtrales menées en collaboration avec sa sœur, le metteur en scène Jolente De Keersmaeker. On y retrouve sa véritable marque de fabrique, un désir d’épure qui cherche à « faire jaillir la vie » à travers une grande rigueur compositionnelle.

Ludmila Pagliero - Nicolas Paul

Distribution de la Première, 25 mai 2011

Léonore Baulac, Aurélia Bellet, Vincent Chaillet, Valentine Colasante, Miteki Kudo, Amélie Lamoureux, Ludmila Pagliero, Nicolas Paul, Daniel Stokes, Muriel Zusperreguy

Roméo et Juliette

2011-05-01T08:39:00.000-07:00

Retour sur la scène de l’Opéra Bastille du Roméo et Juliette de Rudolf Noureev. Quelques regrets liminaires sur l’oubli que l’histoire de Shakespeare est à la fois une histoire de guerre de clans mais aussi une histoire d’amour. Or, pour qu’il y ait amour, il faut deux âmes qui vibrent ensemble, sur scène et la constitution des couples présentés cette année laisse un peu sceptique après ces trois semaines de représentations. Au finish, il reste beaucoup plus du conflit clanique que de l’émotion, certes un peu larmoyante, que véhicule l’imaginaire collectif au sujet de cette histoire. On sort de ce Roméo et Juliette, l’âme aussi légère que si on avait vu Don Quichotte.

Agnès Letestu

Peut-être une exception à mettre au crédit d’Agnès Letestu qui s’épanouit dans le malheur du troisième acte avec une puissance tragique saisissante, face au dilemme de l’amour contradictoire, quelle porte (timidement) à Roméo et celui plus éclatant qu’elle témoigne à Tybalt assassiné. C’est peut-être l’accent sur ce rapport à Tybalt/Stéphane Bullion instauré dans le premier acte, et la relative réserve vis-à-vis de Roméo/Florian Magnenet qui lui donne la ressource d’exprimer ce sentiment dual qui est la source de son génie dramatique.

Agnès Letestu - Florian Magnenet

Mais quid de l’amour dans les rôles titres ? Peut-être les duos les plus adéquates sont à trouver chez Dorothée Gilbert et Josua Hoffalt et Isabelle Ciaravola et Karl Paquette. Les pas de deux sont ici porteurs d’un certain poids dramatique, si ce n’est de véritable passion. La paire Laëtitia Pujol/Mathieu Ganio souffre cruellement du parti pris constamment outrancier de Juliette qui, comme dans Le Lac des cygnes en décembre, relègue son insignifiant partenaire à l’ombre de son surjeu, ce qui est tout à fait l’inverse de celle formée par une Myriam Ould-Braham inexistante avec un Christophe Duquenne d’une jovialité dont on doit plus chercher l’origine dans le copinage avec Benvolio et Mercutio que dans sa relation avec Juliette. Il est quand même regrettable que Christophe Duquenne ait dû faire ce qui est peut-être son dernier Roméo avec une partenaire aussi peu présente scéniquement car il y a de la fraîcheur dans son personnage qui est tout à fait séduisante.

Christophe Duquenne (Roméo) - Yann Saïz (Tybalt)

Le couple de la Première fait montre d’une danse plutôt enlevée, Laëtitia Pujol est d’une technicité époustouflante, Mathieu Ganio a de belles lignes, mais tout cette plastique est gâchée par l’exaspération provoquée par les grimaces portées au rang du catalogue d’une Juliette qui masquent sans doute une incapacité à aborder la profondeur du rôle. Elles soulignent la jouissance de la danse per se et non l’intégration dans une histoire, et Laëtitia Pujol s’oublie souvent dans un lyrisme hors propos, voir laid et même ridicule. L’impression finale reste que les deux danseurs semblent ne pas se comprendre, ne pas danser ensemble mais côte à côte, très bien, mais sans impact dramatique ni émotionnel.

Isabelle Ciaravola - Karl Paquette

Isabelle Ciaravola maîtrise tout l’art dramatique avec une aisance inégalable. Elle est une fantastique Juliette/actrice, mais son partenaire Karl Paquette ne joue pas sur le même registre, adoptant un naturalisme qui met en porte-à-faux l’impression d’ensemble. Son parti pris de jouer un Roméo romantique et rêveur est bien mis en œuvre, il ne coïncide simplement pas avec celui de sa Juliette. Il en ressort un décalage parfois gênant, même si somme toute, l’impression d’un partenariat dans la danse est beaucoup plus évident que chez Laëtitia Pujol et Mathieu Ganio.

Arnaud Dreyfus (Frère Laurent) et Agnès Letestu - Florian Magnenet

Agnès Letestu forme un couple plutôt serein avec Florian Magnenet. A l’inverse d’Isabelle Ciaravola, son jeu théâtral est plus mesuré, elle oscille entre le naturalisme et le théâtre, ce qui correspond bien à son Roméo plutôt simple et nature. Le travail dramaturgique est présent sans se voir, c’est une qualité inestimable de la danseuse. En raison de la taille des deux danseurs, l’osmose est difficilement totale dans les pas de deux mais les amants se regardent et se comprennent, il existe un échange sur scène qui est touchant et qui est le plus réussi de tous les couples.

Dorothée Gilbert

Dans le domaine du naturalisme, c’est Dorothée Gilbert et Josua Hoffalt qui tirent le mieux leur épingle du jeu et qui en font finalement le couple le plus homogène, tant au point de vue de la conception dramatique des rôles et de leurs capacités à la mettre en œuvre. Dorothée Gilbert trouve ici un rôle qui lui permet à la fois de déployer sa technique sûre tout en montrant les progrès considérables effectués sur le plan dramatique. Elle présente une Juliette très maîtrisée dramatiquement et s'accorde bien avec son partenaire. Josua Hoffalt a une danse ample comme Florian Magnenet mais a l’avantage d’une partenaire plus petite, les pas de deux se fondent dans la musique, le plaisir n’est plus uniquement dans la narration dramatique mais aussi dans son insertion dans la danse.

Yann Saïz (Benvolio) - Josua Hoffalt

Avec des couples dont l’osmose et le rayonnement paraissent un peu faibles, la réussite des représentations a pris naissance dans les compositions des distributions des rôles annexes. Certaines soirées ont paru à cet égard beaucoup plus intenses que d’autres. Lorsque des Tybalt, des Mercutio et des Benvolio de poids s’adjoignent au duo vedette, la physionomie du ballet peut en être changée. Il est certain que les soirées ayant bénéficié des présences de Stéphane Bullion, Christophe Duquenne (en Benvolio), Mathias Heymann, Emmanuel Thibault et Yann Saïz (Benvolio ou Tybalt) dans ces rôles ont monté d’un cran dans la teneur dramatique, car comme toujours chez Rudolf Noureev, la composition des rôles annexes a été soigneusement étudiée pour leur donner une dimension de première importance.

Stéphane Bullion - Mathias Heymann

Deux Tybalt rayonnent sur scène. Stéphane Bullion, tour à tour cousin d'Agnès Letestu et Laëtitia Pujol irradie sa puissance, tant est si bien qu’on comprend à peine comment Florian Magnenet et surtout Mathieu Ganio arrive à le tuer, mais les caractères les plus fantasques font parfois les plus grossières erreurs, au théâtre comme dans la vie. Investissement total de sa personnalité et de son talent dramatique dans le rôle, la précision de sa danse et de ses combats à l’épée en font un Tybalt qui impose la noirceur et la domination de son personnage avec un naturel certain que ce soit avec Juliette, avec Dame Capulet ou ses adversaires. La conduite du bal des Capulet, avec Dame Capulet, ou à l'épée est dans cet esprit impressionnante. Un Tybalt désormais de référence pour cette chorégraphie de Noureev.

Stéphane Bullion - Delphine Moussin

Yann Saïz a adopté la noirceur puissante de son cadet mais se fait plus soupe au lait dans le jeu, un peu moins précis dans la danse. Il a néanmoins une vraie envergure dans la danse des chevaliers ou dans les combats qui font un peu défaut à Vincent Chaillet et Stéphane Phavorin qui n’arrivent pas à s’imposer dans l’histoire.

En face de Tybalt, le clan des Montaigu oppose cinq Mercutio qui portent tous chacun leur charme plutôt sympathiquement énervant. Emmanuel Thibault trouve ici un rôle en or pour sa danse aérienne et son jeu primesautier. Très à l’aise, il ferraille avec son corps comme avec son épée dans un style purement jovial. Mathias Heymann a eu un peu plus de mal à trouver ses marques mais il a vraiment réussi à s’approprier le personnage dans ses dernières apparitions, affinant son humour plus léger mais néanmoins porteur.

Stéphane Bullion - Emmanuel Thibault - Florian Magnenet

Le rôle de Benvolio nécessite une forte présence scénique pour exister pleinement face aux multiples rebondissements des moments où il apparaît. Les chevronnés Christophe Duquenne et Yann Saïz ont un caractère drolatique et fantasque qui leur permet de s’insérer pleinement dans l’histoire, alors que les prises de rôles ont été plus timides.

Stéphane Bullion - Mathias Heymann - Mathieu Ganio - Christophe Duquenne

Au-delà de ces rôles presque également principaux, il est aussi justifié de mentionner les présences de Seigneur et Dame Capulet, avec la formidable présence en particulier de Vincent Cordier, Delphine Moussin et Stéphanie Romberg, parfaits chefs de clan, des interprètes du rôle ingrat de Pâris dans lequel Bruno Bouché et Yannick Bittencourt tirent avec les honneurs leur épingle du jeu.

Stéphane Bullion - Vincent Cordier - Delphine Moussin

La Maison de Bernarda - Une sorte de...

2011-04-30T23:39:00.000-07:00

Le contraste entre les deux ballets choisis pour cette affiche est un écho démultiplié des nuances subtiles que Mats Ek introduit dans son art. Ainsi, à la peinture narrative d’un monde social sous l’emprise des traditions et de la domination dans un climat rigoureux et pesant de la Maison de Bernarda, s’oppose Une Sorte de…, délire onirique de la dérision et de la frénésie.

Mats Ek est un chorégraphe hyper talentueux, il a le génie de la symbiose musique/mouvement, mais il faut le reconnaître, les deux pas de deux lents de Une sorte de… sont chiants et tout le charisme de Nicolas Le Riche n’y peut rien, inutile de mentionner les autres...

En revanche, lorsque les corps des groupes s’animent et se décomposent en syncopes, c’est autre chose, on entre dans une autre dimension ! L’étincelle jaillit, les entrailles grondent, la chorégraphie engloutie l’esprit et tire allégrement vers la libération des sens. C’est alors du grand art qui rivalise d’ingéniosité avec l’incongruité musicale d'Henryk Gorecki choisie comme bande son par Mats Ek.

A la surprise de la musique répond l'originalité des pas, des appariements et des mouvements, des situations les plus inattendues. Pas de fil directeur si ce n'est l'énergie des rencontres avec les individus, décors ou accessoires. L'utilisation des costumes, du son des chaussures, font de cette oeuvre, une gigantesque explosion d'énergie dans toutes les directions, à tous les niveaux, l'esprit vagabonde ou reste en rade, mais le spectateur est happé par les sens.

José Martinez

La lenteur, le geste qui se décompose à l’infini dans du signifiant, la construction narrative à travers le mouvement, c’est pour La Maison de Bernarda. Les pliés, les appuis sur le sol, lourds et pesants des femmes condamnées au deuil, à la négation des sentiments et de la sensualité, le noir contraignant et la rouge frivole, les rejets brusques de la lenteur pour simuler la révolte, intériorisée ou non, la légèreté des envols de la servante,

Le catalyseur du drame est l’Homme. L’homme est omniprésent dans la pièce de théâtre sous forme d’évocation mais Mats Ek en a finement fait un personnage qui relance la vie quotidienne de la maison endeuillée en apparaissant trois fois, pour les fiançailles, pour la trahison –une scène d’amour avec la sœur de la fiancée- et pour le mariage, interrompu par le suicide de la jeune fille qui avait rêvé qu’il abandonnerait l’argent au profit de l’amour.

Stéphane Bullion - Charlotte Ranson

Ainsi, Mats Ek souligne constamment la cruauté de cette société à travers le portrait des danseurs. En premier lieu, celle de la mère dominée par la tradition mais qui, une fois instaurée comme dominante par la mort de son époux, en perpétue le mécanisme de domination au point qu’elle ne souffre même pas que sa fille en meurt. Il dénonce à l’occasion le poids de la religion à travers le dîner et la scène d’amour christique, dévotion absolue de Bernarda. Mais cette empreinte sociale atteint aussi ses filles qui, si elles apparaissent comme victime, n’en sont pas plus sympathiques. C'est un portrait hautement contextualisé et la stylisation ne fait qu'appuyer la caractérisation des personnages, elle n'en est pas moins empreinte de réalisme.

Stéphane Bullion - Clairemarie Osta - Ludmila Pagliero

Les personnages sont cadrés et incarnent des fonctions qui visent à la vision globale que la pièce dépeint de la torture sociale. Si il y a de la vie chez les sœurs, elle est bridée et peu de moments, comme ceux avec la "perverse" servante, laissent place à la révélation des aspirations.

Les jumelles, unies et effacées, la bossue, en perpétuelle vengeance de son stigmate mais qui porte elle aussi les aspirations à l'amour, la sœur aînée, à la fois victime et coincée mais avec des moments de fierté qu’instaure son rang d’héritière et la jeune sœur, pas plus admirable que les autres même si elle incarne la révolte, elle est tout aussi peste avec ses soeurs.

L’homme prend sa part d’incarnation de cette critique de la société. Dépassionné. également, factuel. Dualité de la fonction avec le sexe du dominant mais dominé par la situation d’aspirant à la dot. Ambiguïté du désir de l’argent et des sens, contradictoire dans la famille. Il peut avoir les deux, c’est un pari, mais il est raté.

Dans la transposition de Mats Ek, cet Homme, certes "victime" dans la pièce de Federico Garcia Lorca, semble être le seul à réagir violemment à la mort de la jeune soeur, et par opposition, Bernarda ne paraît pas aussi certaine de ses actes. Le ballet, plus que la pièce alors, avec son vocabulaire allusif, ouvre vers une réflexion encore plus profonde.

José Martinez

L'Homme

2011-04-29T04:23:00.000-07:00

La Maison de Bernarda avec Aurélia Bellet, Stéphane Bullion, Marie-Agnès Gillot, Amélie Lamoureux, José Martinez, Clairemarie Osta, Ludmila Pagliero, Charlotte Ranson

Tybalt

2011-04-24T08:44:00.000-07:00

Stéphane Bullion est Tybalt

Mats Ek 20-29 avril 2011

2011-04-20T21:57:00.000-07:00

La Maison de Bernarda
Ballet en un acte d’après la pièce de Federico Garcia Lorca La Maison de Bernarda Alba
Musique - extraits de pièces pour orgue de Johann Sebastian Bach et musiques traditionnelles de guitares espagnoles
Chorégraphie - Mats Ek (1978)
Décors et costumes - Marie-Louise Ekman
Lumières - Jörgen Jansson
Ballet entré au répertoire du ballet de l'Opéra national de Paris le 26 avril 2008

Stéphane Bullion (Un homme) - Charlotte Ranson (La jeune soeur)

Distribution de la Première, 20 avril 2011
Bernarda José Martinez
La servante Marie-Agnès Gillot
La soeur aînée Ludmila Pagliero
Hunchback Clairemarie Osta
La jeune soeur Charlotte Ranson
1ère jumelle Aurélia Bellet
2ème jumelle Amélie Lamoureux
Un homme Stéphane Bullion
Un technicien Andreï Klemm

Andreï Klemm, Amélie Lamoureux, Ludmila Pagliero, Clairemarie Osta, José Martinez, Charlotte Ranson, Marie-Agnès Gillot, Aurélia Bellet, Stéphane Bullion

Une sorte de…

Musique - Henryk Mikolaj Gorecki
Chorégraphie - Mats Ek (1997)
Décors et costumes - Maria Geber
Lumières - Ellen Ruge
Ballet entré au répertoire du ballet de l'Opéra national de Paris le 26 avril 2008

Nicolas Le Riche

Distribution de la Première, 20 avril 2011

1er pas de deux Nolwenn Daniel, Nicolas Le Riche

2ème Pas de deux Miteki Kudo, Benjamin Pech
et
Muriel Zusperreguy, Caroline Bance, Christelle Granier, Géraldine Wiart, Peggy Dursort, Ninon Raux
Aurélien Houette, Nicolas Paul, Simon Valastro, Adrien Couvez, Alexandre Gasse

Mats Ek

Roméo et Juliette 11-30 avril 2011

2011-04-11T23:45:00.000-07:00

Roméo et Juliette
Ballet en trois actes d’après William Shakespeare
Musique - Sergueï Prokofiev
Chorégraphie et mise en scène - Rudolf Noureev (réglées par Patricia Ruanne et Frederick Jahn)
Décors - Ezio Frigerio
Costumes - Ezio Frigerio et Mauro Pagano
Lumières - Vinicio Cheli
Orchestre de l'Opéra national de Paris
Direction musicale - Vello Pähn
Production créée pour le ballet de l'Opéra de Paris le 19 octobre 1984

Dame Capulet (Delphine Moussin)

Argument (source : Opéra national de Paris)

En gris, Les numéros et les titres sont ceux de la partition de Prokofiev. Entre parenthèses est précisée l'action du ballet de Noureev.

ACTE I

SCÈNE 1 - LA PLACE DU MARCHÉ
1. Ouverture - Intercalation du n°7 Entrée du prince (ici, des moines emmenant des cadavres sur une charrette, pour les enterrer) - 2. Roméo - 3. La rue s'éveille (Rosaline et sa suite) - 4. Danse matinale - 5. Dispute - 6. Combat - 8. Interlude (ici, entrée du prince)
La ville de Vérone est divisée par une vendetta entre les familles Montaigu et Capulet. Roméo, un jeune Montaigu, fait la cour à Rosaline, mais la damoiselle reste de marbre.
La rencontre entre les serviteurs des familles rivales tourne en rixe.
Benvolio essaie d'apaiser ses camarades, les Montaigu, mais Tybalt excite les Capulet. Mercutio, ami des deux familles, tente en vain de concilier les deux clans. La querelle est interrompue par l'arrivée du Prince de Vérone qui rétablit momentanément la paix.

Dame Capulet (Delphine Moussin) et Tybalt (Stéphane Bullion)

SCÈNE 2 - ANTICHAMBRE DE JULIETTE
9. Préparatifs du Bal - 10. Juliette et sa nourrice
Juliette joue comme une enfant avec ses amies et sa nourrice. Elle découvre que sa nourrice aime à se faire lutiner (est-ce cela l'amour ?) Son père et sa mère (Seigneur et Dame Capulet) entrent avec leur neveu Tybalt. Ils présentent Pâris à Juliette, un jeune homme qu'ils lui ont choisi pour mari. Celui-ci apporte une robe de mariée en cadeau. Juliette n'y prête aucune attention.

Stéphane Bullion - Delphine Moussin

SCÈNE 3 - EXTÉRIEURS DE LA MAISON DES CAPULET
11. Arrivée des invités - 12. Les masques
Les invités arrivent à la fête donnée par les Capulet. Toujours dans le sillage de Rosaline, Roméo voit encore ses avances repoussées. Mercutio et ses amis se moquent de sa déconvenue, en caricaturant les effets de l'amour. Le Seigneur Capulet invite Mercutio et ses amis à entrer. Ils dissimulent leur visage sous des masques.

SCÈNE 4 - LE BAL DES CAPULET

13. Danse des chevaliers - 14. Variation de Juliette - 15 Variation de Mercutio – 16. Madrigal (pas de deux de Roméo et Juliette – 17. Tybalt reconnaît Roméo – 18. Gavotte (départ des invités)

Tybalt conduit la danse avec Dame Capulet. Juliette - réticente - esquisse à contrecœur un duo de fiançailles avec Pâris. Roméo, Mercutio et Benvolio se joignent à la danse. Et c'est la rencontre inévitable. Au premier contact de leurs mains, Roméo (masqué) et Juliette tombent amoureux l’un de l’autre. Ils échangent un baiser. Roméo est découvert et Tybalt tente de le chasser, mais le seigneur Capulet intervient. Tous sont entraînés dans la danse de la Roue du Destin.

La danse des chevaliers
Stéphane Bullion - Delphine Moussin

SCÈNE 5 - LE JARDIN SECRET

19. – Scène du balcon – 20. Variation de Roméo – 21. Scène d’amour

Roméo s’est caché. Il observe la Nourrice préparer Juliette pour la nuit. Mercutio et Benvolio recherchant Roméo tombent sur Tybalt. Ils poursuivent leur querelle un peu plus loin. Au moment où Juliette sort dans le jardin, Roméo apparaît : ils s’exaltent dans le bonheur de se retrouver et engagent leur amour l’un pour l’autre.

ACTE II

SCÈNE 1 - LA PLACE PRINCIPALE
22. Danse populaire - 23. Roméo et Mercutio - 24. Danse (pas-de-trois de Roméo, Mercutio et Benvolio) - 25. Danse des mandolines (les acrobates) - 26. La Nourrice - 27. La lettre
Roméo songe à Juliette. La place se remplit de la foule du marché, d'acrobates et d'amuseurs. La Nourrice de Juliette surgit: Mercutio et Benvolio la taquinent. La Nourrice remet une lettre à Roméo: Juliette s'est rendue auprès de Frère Laurent pour qu'il les marie secrètement. Elle l'invite à la rejoindre au petit couvent.

le Frère Laurent (Arnaud Dreyfus) - Roméo (Mathieu Ganio) - Juliette (Laëtitia Pujol)

SCÈNE 2 - UNE CHAPELLE
28. Frère Laurent et Roméo (ici, mariage dans l'église) - Le n° 29 est coupé
Roméo attend. Juliette paraît et Frère Laurent les unit.

Tybalt (Stéphane Bullion), Benvolio (Christophe Duquenne) et Mercutio (Mathias Heymann)

SCÈNE 3 - LA PLACE PRINCIPALE
30. Danse populaire - Le n°31- cortège- est coupé - 32. Rencontre de Tybalt et Mercutio - 33. Duel - 34. Mort de Mercutio - 35. Roméo venge Mercutio - 36. Mort de Tybalt
Les deux clans, une fois de plus, se narguent. Tybalt essaie de provoquer Roméo en duel et, devant son refus, le traite d'efféminé. Mercutio réplique à Tybalt : il plaisante, mais l'autre prend la mouche.
La lame d'un poignard soudain brille et atteint Mercutio qui continue de rire et de se moquer, donnant le change, alors qu'il perd tout son sang. Mercutio s'écroule. Les Montaigu mettent de force une épée dans les mains de Roméo: dans la bagarre, il finit par tuer Tybalt. Le Prince de Vérone survient, accompagné des parents Capulet. Juliette découvre avec effroi que celui qu'elle vient d'épouser est l'assassin de son cousin. Roméo est chassé de la ville. Il doit quitter Vérone le lendemain, et s'exiler à Mantoue.

Les Capulet à la mort de Tybalt

ACTE III

SCÈNE 1 - LA CHAMBRE DE JULIETTE

37. Prélude - 38. Roméo et Juliette - 39. La chambre - 40. La nourrice - 41. Juliette refuse d'épouser Pâris - 42. Juliette seule
Tandis que le Seigneur Capulet et sa Dame s'entretiennent avec Pâris de son futur mariage avec Juliette, celle-ci a une vision de cauchemar, dans sa chambre, comme le pressentiment de ses noces avec la mort.
Roméo rejoint Juliette par le balcon. Ils s'unissent dans l'amour. Le jour pointe: Roméo s'arrache des bras de Juliette qui veut le retenir. Juliette repousse la robe nuptiale que lui amènent sa mère et sa nourrice. Le Seigneur Capulet force sa fille à se soumettre à sa volonté et à accepter le mariage avec Pâris. Juliette, désespérée, songe à mourir.

SCÈNE 2 - UNE CHAPELLE
43. Interlude - 44. La chapelle de frère Laurent - 45. Interlude (ici, vision anticipée de la scène 4)
Juliette court chercher conseil auprès de Frère Laurent. Pâris est là, lui aussi, pour s'occuper de son mariage. Frère Laurent, écartant Pâris, explique à Juliette le moyen de sortir de cette effroyable situation : elle devra boire une potion qui la plongera dans une léthargie profonde. La croyant morte, ses parents la placeront dans la crypte familiale. Pendant ce temps, Frère Jean aura rejoint Roméo à Mantoue, pour le prévenir du stratagème. La nuit, Roméo reviendra à Vérone la chercher, et, à son réveil, il l'emmènera. Juliette, reprenant espoir, se voit déjà réunie à Roméo.

Les fantômes (Tybalt et Mercutio) avec Juliette

SCÈNE 3 - LA CHAMBRE DE JULIETTE
46. La chambre de Juliette - (pas-de-quatre : le Seigneur Capulet, Dame Capulet, Pâris et Juliette) - 47. Juliette seule (ici, pas-de-trois avec les fantômes de Tybalt et Mercutio) - La potion
Juliette feint d'accepter le mariage avec Pâris. Laissée seule, elle sent son esprit s'égarer, en proie au doute: doit-elle mettre fin à ses jours avec le poignard de Tybalt, sauvegardant ainsi l'honneur de sa famille, ou avaler le narcotique pour vivre son amour qu'évoque l'image du joyeux Mercutio ? Elle boit la potion.

SCÈNE 4 - LA CHAMBRE DE JULIETTE
48. Aubade de Pâris - 49. Danse des amis de Juliette - 50. Au chevet de Juliette (et reprise du no 49)

Pâris arrive avec musiciens et danseurs pour présenter ses compliments à Juliette. Les parents Capulet venant éveiller leur fille, la trouvent inanimée. Les préparatifs des noces font place au deuil.

Benvolio court prévenir Roméo à Mantoue.

SCÈNE 5 - LA ROUTE DE MANTOUE
(reprise des n° 45 et 43)
Sur la route de Mantoue, Frère Jean, porteur de la lettre de Frère Laurent à Roméo, est attaqué et tué. La lettre (qui devait avertir Roméo de la «fausse» mort de Juliette) n'arrivera pas.

Le rêve de Roméo

SCÈNE 6 - MANTOUE
(reprise et fin du n° 50)
Ignorant tout de ce qui se passe à Vérone, Roméo rêve de Juliette. Il est tiré de ses songes par Benvolio apportant la nouvelle de la mort de Juliette. Bouleversé, Roméo part pour Vérone.

SCÈNE 7 - LA CRYPTE DES CAPULET
51. Funérailles de Juliette, Mort de Roméo - 52. Juliette s'éveille, Mort de Juliette
Juliette repose dans la crypte des Capulet. Une fois les pleureuses parties, Roméo y pénètre. Il trouve Pâris et le tue. Il découvre le corps de Juliette et, fou de douleur, il s'empoisonne. Juliette rouvre les yeux, mais c'est pour le trouver mort à côté d'elle. Elle se suicide avec le poignard de Roméo.

Mathieu Ganio - Laëtitia Pujol

Distribution de la Première, lundi 11 avril 2011

Roméo : Mathieu Ganio
Juliette : Laëtitia Pujol
Tybalt : Stéphane Bullion
Mercutio : Mathias Heymann
Benvolio : Christophe Duquenne
Dame Capulet : Delphine Moussin
Seigneur Capulet : Vincent Cordier
Pâris : Julien Meyzindi

de gauche à droite : Arnaud Dreyfus, Julien Meyzindi, Christophe Duquenne, Mathias Heymann, Laëtitia Pujol, Mathieu Ganio, Stéphane Bullion, Delphine Moussin, Vincent Cordier, Guyslaine Reichert

Rencontre Mats Ek

2011-04-09T22:50:00.000-07:00

Ludmila Pagliero-Charlotte Ranson

Rencontre Mats Ek
Répétition de la La maison de Bernarda, Amphithéâtre Bastille, 9 avril 2011
Avec José Martinez, Ludmila Pagliero et Charlotte Ranson
Ana Laguna (assistante du chorégraphe) et Caroline Beaugrand (chef de chant)

Adieux Patrice Bart

2011-03-30T22:06:00.000-07:00

DVD Siddharta

2011-03-27T00:32:00.000-07:00

DVD Arthaus Musik

Filmé les 2, 6 et 9 avril 2010

Moins d’un an après sa création, Siddharta d’Angelin Preljocaj sur une musique originale de Bruno Mantovani sort en DVD (voir synopsis du ballet Siddharta 18 mars-11 avril 2010 et critique du ballet Siddharta).

La gageure du réalisateur était de retranscrire l’ambiance empreinte d’esthétisme dans laquelle Angelin Preljocaj a niché sa chorégraphie dans l’immensité de l’opéra Bastille, les effets des décors monumentaux de Claude Lévêque auxquels s’ajoutaient la profondeur ou la violence des sonorités de Bruno Mantovani risquant d’être un peu altérés par le support.
Cependant, la prise de vue dynamique -parfois un peu trop les danseurs sortent parfois des gros plans- de Denis Caïozzi avec des plans larges qui utilisent l’espace dans son ensemble se tire bien de cet écueil, tout comme de la gestion de la faible luminosité du ballet qui nuit quand même parfois au piqué de l’image.

Stéphane Bullion- Nicolas Le Riche

Les lumières de Dominique Bruguière sont souvent capturées dans une splendeur saisissante qui magnifie les scènes, notamment lors des passages de l’Eveil et des messagères dans leurs costumes vaporeux qui jouent sur les contrastes de teintes et des reflets sur le sol, mais aussi des ermites. Le pas de deux final se présente également intact dans sa forte intensité des contrastes. La pénombre est aussi utilisée comme outil contextuel lorsqu’elle fait ressortir les corps dans les duos entre Stéphane Bullion et Nicolas Le Riche.

Aurélie Dupont - Nicolas Le Riche

Le mixage de la bande son atténue un peu les pics sonores qui saisissaient dans la salle et si ce n’est pas tout à fait regrettable sur la guitare qui accompagne les apparitions de Siddharta, la scène des mortifications n’aurait sans doute pas souffert de l’utilisation à plein de cette explosion sonore.

Dans l'ensemble, le pari de restituer l'histoire sur l'écran est réussi et les plans rapprochés permettent une nouvelle vision de l'oeuvre qui se diluait en peu dans la profondeur de la scène en live.

Distribution

Siddharta Nicolas Le Riche
L’Eveil Aurélie Dupont
Ananda, le compagnon de Siddharta Stéphane Bullion
Le roi Wilfried Romoli
Sujata Muriel Zusperreguy
Yasodhara Alice Renavand

Stéphane Bullion, Aurélie Dupont, Nicolas Le Riche, Susanna Mällki, Bruno Mantovani

Angelin Preljocaj, Claude Lévêque

Coppélia 17-30 mars 2011

2011-03-18T23:11:00.000-07:00

Ballet en deux actes d'après Arthur Saint-Léon
Musique - Léo Delibes
Chorégraphie et mise en scène - Patrice Bart
Décors et costumes - Ezio Toffolutti
Lumières - Yves Bernard
Assistante du chorégraphe - Claude de Vulpian
Production créée pour le ballet de l'Opéra de Paris le 23 mai 1996
Orchestre Colonne
DIRECTION MUSICALE - Koen Kessels

L'atelier de Coppélius

Stéphane Phavorin

(Source : Opéra de Paris)

PROLOGUE

L’atelier de Coppélius

Coppélius, savant et un peu magicien, cherche à donner vie à l'image d'une femme qu'il a passionnément aimée. Sous l'effet de l'opium que son valet Spalanzani vient de lui apporter, il voit s'animer le portrait de la belle Coppélia, qu'il garde dans son grand livre de notes, de calculs et de croquis.

Christophe Duquenne (Frantz)

ACTE I

Dans une petite ville d'Europe centrale

Swanilda, jolie jeune fille, est aimée de Frantz, parti à la capitale faire des études de sciences. Aujourd'hui, il revient au pays, avec ses amis étudiants.
Frantz offre sa collection de papillons à Swanilda qui n'en a cure. Chamailles des amoureux.


Nolwenn Daniel (Swanilda) et ses amies

Spalanzani sort de la maison de Coppélius. Interrogé par Swanilda, il fait grand mystère des activités de son maître (un être étrange qui s'adonne à des expériences scientifiques dans sa maison devenue laboratoire). Le valet glisse insidieusement dans les mains de Frantz, un petit livre (copie réduite du «grand livre» de Coppélius, et qui contient l'image de la belle Coppélia). Invités par Spalanzani, les tziganes fêtant la fin des moissons, viennent danser sur la petite place. Les tziganes couronnent Swanilda «reine du blé», et elle en revêt le costume.

Nolwenn Daniel (Swanilda) - Karl Paquette (Frantz)

Ainsi habillée, elle ressemble curieusement au portrait de Coppélia, la belle femme du «grand livre».
Soudain, dans la foule, surgit Coppélius. La vue de Swanilda réveille en lui des sentiments passionnels. Il courtise la jeune fille et l'invite à danser. Elle se sent flattée. Frantz, d'humeur jalouse, reproche à Swanilda de s'être laissée facilement fasciner par Coppélius. Mais Swanilda rassure Frantz : elle l'aime toujours. Les deux jeunes gens échangent leurs vœux, scellés par les gerbes de blé que leur offrent leurs amis. Coppélius, amusé par la scène, revient chercher Swanilda pour en faire sa cavalière et, à nouveau, la troubler : il la laisse désemparée dans les bras de Frantz.

Nolwenn Daniel - Karl Paquette

Après la fête, Spalanzani - venu reprendre le costume de la «reine du blé» - se fait chahuter par les amis de Frantz. Ceux-ci décampent vite lorsque Coppélius reparaît : il demande à Spalanzani de remettre à Swanilda la clef de sa maison. Swanilda, excitée par l'aventure, rappelle ses amies pour pénétrer dans le domaine de Coppélius. Frantz - dépité - regarde à nouveau le livre que Spalanzani lui a donné : à coup sûr, il doit receler le «secret» de Coppélius.

José Martinez (Coppélius)

ACTE II

L’antre de Coppélius

Coppélius - sa pipe d'opium près de lui - attend Swanilda en rêvant à la femme qu'il a aimée. La porte s'ouvre en haut de l'escalier, laissant deviner la jeune fille, suivie de ses amies. Coppélius se cache. Partagées entre la curiosité et la crainte, les demoiselles explorent le territoire. Elles se heurtent - dans la pénombre – à des militaires : êtres vivants ou statues? Elles découvrent avec stupeur que ce sont des automates. Vite remises de leur frayeur, elles s'amusent à les faire marcher et à les imiter. Spalanzani accourt chasser les importunes : elles prennent la fuite, abandonnant Swanilda. Swanilda questionne Spalanzani sur les objets qui l'entourent (rouages mécaniques, mannequins, têtes de cire). Spalanzani – sans répondre - présente trois poupées : l'une est habillée à l'orientale, la deuxième en écossaise, et la troisième en espagnole.

Fabrice Bourgeois (Spalanzani) - Benjamin Pech (Coppélius)

Ainsi, ce sont les jouets qui intéressent Coppélius, ironise Coppélia, démontrant qui est facile déjouer les poupées mécaniques. Après avoir observé la scène, Coppélius offre du vin à Swanilda (elle ne le boit pas) et se fait pressant (elle s'échappe). Elle remarque alors que l'un des mannequins porte le costume de la «reine du blé», dont on l'avait revêtue lors de la fête tzigane. Elle s'en saisit, s'habille... et semble aussitôt agir sous hypnose. Comme par magie, Swanilda réapparaît, se superposant au portrait de Coppélia, la belle femme du «grand livre».

Mélanie Hurel (Swanilda ) - Benjamin Pech (Coppélius )

Coppélius voit se réaliser son rêve. Le livre s'ouvre, et l'image de la belle femme de la poupée - de Coppélia) s'anime : Coppélia/ Swanilda sort de la page pour venir à lui. Coppélius déclare son amour à cette image de Coppélia, la femme de sa vie (disparue? morte? seulement imaginaire?). Swanilda, se rendant compte du jeu dangereux dans lequel elle est entraînée, ôte rapidement le costume et la couronne de « reine du blé », qui la font prendre pour une autre.

Nolwenn Daniel

Swanilda, révoltée d'être l'objet des fantasmes d'un névropathe, défie Coppélius : elle le nargue en espagnole, en écossaise. Elle n'est pas une poupée, elle ! Coppélius, exaspéré par ce manège, tente - avec Spalanzani - de s'emparer de Swanilda. Pour lui réserver quel sort?

De retour, une des camarades de Swanilda, découvrant du haut de l'escalier ce qui se passe, part chercher du secours et revient avec Frantz. Tel un chevalier, le jeune homme affronte Coppélius, et arrache Swanilda à ces lieux maudits.

Christophe Duquenne - Mélanie Hurel

ÉPILOGUE

Swanilda et Frantz se retrouvent, comme dans un autre monde. Echappés des griffes de Coppélius, ils restent en état de choc.
Les fantômes et les peurs s'évanouissent. «Passés de l'autre côté du miroir», Swanilda et Frantz peuvent savourer leur bonheur... sur lequel continuera peut-être de planer une ombre.

Rencontre Coppélia

2011-03-05T23:17:00.000-08:00

Dorothée Gilbert - Yann Saïz

Rencontre autour de Coppélia, Amphithéâtre Bastille, 5 mars 2011
Avec Dorothée Gilbert, Mathias Heymann et Yann Saïz
Patrice Bart (chorégraphe) et Kathy Ernould (chef de chant)

Caligula

2011-02-18T09:04:00.000-08:00

Stéphane Bullion

La figure Caligula, entre mythe et réalité, a imprégné faussement les esprits à travers ses représentations tant artistiques que biographiques comme souvent les personnages paroxystiques. Nicolas Le Riche s’est adjoint Guillaume Gallienne pour s’affronter au sujet en déconstruisant les idées reçues, avec un parti pris qui peut paraître parfois dérangeant mais qui donne une véritable signature artistique à l’œuvre.

Partant de La Vie des douze césars de Suétone, les auteurs ont délaissé le commentaire linéaire d’un historien très hostile à l’augustat pour extraire les faits marquants et vérifiés –en fait très peu- et construire à son tour un imaginaire crédible autour de l’homme, Caius Augustus Germanicus, et non plus du Caesar dit Caligula.

Stéphane Bullion

Il est admirable que dans cette première grande œuvre chorégraphique, Nicolas Le Riche ait évité l’écueil de la régurgitation scolaire du danseur de niveau stellaire qu’il est. Il s’est effacé modestement derrière son histoire et a ici construit un ballet qu’il aurait sans doute aimé danser –comme il l’a finalement fait en 2008- et non pas un exercice de style autour de sa maîtrise technique virtuose. Il a envisagé le ballet du point de vue de l’homme et à mis sa danse au service de l’histoire, c’est-à-dire quoi et comment exprimer à travers des mouvements, des états d’âme déconstruisant ainsi tout autant l’histoire de Caligula que la manière d’élaborer un ballet. En mêlant aspects classique et contemporain, il s’est éloigné des poncifs des deux techniques faisant parler en premier lieu les corps et les expressions comme éléments unificateurs. Nicolas Le Riche a ainsi choisi d’attribuer des typologies très nettes aux différents rôles, un Caligula instable, un Mnester incisif et tranchant, un Chaerea hiératique, une Lune espiègle et légère, une Caesonia ludique et futile.

C’est la musique de Vivaldi qui a rythmé la construction de ces typologies et le choix des Quatre saisons, presque anecdotique à la base, pour illustrer les quatre années de règne de l’empereur, se prête plus volontiers qu’on l’aurait cru à la progression narrative tant la ligne musicale est bien exploitée dans la chorégraphie, le printemps dévoué aux débuts plaisants du règne, l’été dessinant les premières menaces, la tristesse de l’automne développant le complot et l’hiver annonçant la fin, l’ensemble repris en forme de résumé des humeurs de l’empereur dans le cinquième acte. C’est également parce qu’elle est mise en relief par les pauses qu’élabore Louis Dandrel pour le mime Mnester qui lui même sert de mise en abyme au propos. Ainsi, un dialogue solidement ancré dans la construction de l’œuvre sert de fil rouge au drame. Le décor, simple et efficace, met bien en valeur les apparitions de Caligula, ses entrées en contre jour par un escalier illuminé ou les ailes bordées de colonnes cinabres d’où jaillissent en grappes les ensembles dynamiques.

Avec cette troisième reprise du ballet, Caligula se décline désormais sous les traits de Stéphane Bullion qui tant dans le rôle de l’empereur que dans celui du pantomime Mnester a vraiment porté la chorégraphie de Nicolas Le Riche dans son sens le plus inspiré au cours de ce mois de février.

Stéphane Bullion

En l’absence de Jérémie Bélingard qui avait créé le ballet, Stéphane Bullion a d’abord imposé sa marque comme figure absolue et indiscutable de l’auguste, tellement Mathieu Ganio qui reprenait le rôle après l’avoir également dansé lors de la création, n’a pas paru avoir les moyens de présenter une vision adaptée à la figure délicatement dessinée de l’empereur de Nicolas Le Riche. Faute d’une danse puissante et significative mais plus encore d’une capacité d’interprétation variée et nuancée, dans la danse comme dans le jeu de scène, celui-ci n’a pu que donner à voir une version plate dénuée de sens d’un portrait qui semble fouillé et subtile de la personnalité de l’empereur lorsque dansé par Stéphane Bullion.

Stéphane Bullion

Nicolas Le Riche n’a certes pas facilité la tâche de son danseur-titre en ciselant un être à la fois grandiose et impérial dans son autorité lorsqu’il ne danse pas, et tourmenté et indécis dans ses mouvements. C’est par son corps et ses sinuosités que Caligula montre son caractère fantasque et incontrôlé, sa folie et sa démesure, mais de manière plus analytique que spectaculaire. Caligula se singularisait en effet dans l’étrange parce qu’il maniait l’ironie jusqu’au dernier degré. Il poussait tout jusqu’aux limites, la haine, l’amour, les mesquineries, les stupidités. En cela, il renvoyait aux autres une image dérangeante. En projetant l’histoire dans l’extrême détail du mouvement et des regards, le chorégraphe propose une vision très intellectualisée dans une chorégraphie minutieusement pensée du personnage. Il faut alors vivre cette incarnation et ne pas simplement la danser sans quoi chaque geste paraît d’un académisme plat. Du petit sourire en douce de la fête introductive au cauchemardesque éclat de rire de dérision face à sa mort, Caligula triomphe insidieusement.
Le Caligula écrit par Nicolas Le Riche n’a de tyrannique que ses incisions au couperet que seul un danseur puissant et virtuose mais mesuré peut rendre afin de restituer a minima l’aspect violent du personnage que personne ne conteste : celui-ci se doit d’être présent, même s’il n’intéresse pas in fine le chorégraphe et n’est qu’un side-effect. Il est difficile en peaufinant ses arabesques et en escamotant le peu de spectaculaire dans les sauts de rendre plus qu’un homme touchant voire insignifiant. Or si Nicolas Le Riche s’est écarté des banalités véhiculées par l’image que l’on donne d’un homme de pouvoir sanglant pour s’intéresser à dépeindre l’individu et son caractère, il ne gomme pas pour autant l’aspect irrationnel et violent de Caligula, il le montre subtilement.

Stéphane Bullion

Dans son portrait intérieur de Caligula, Stéphane Bullion restitue bien la dureté, la froideur, le caractère impitoyable de l’empereur, sa différence avec les autres et magnifie son statut de Dieu vivant. Il tient de bout en bout sous une apparence contemplative ou imprévisible, le fil tenu d’une distance avec le reste des danseurs et la tension du prédateur qui observe ses proies mais aussi les menace, certain de sa supériorité ou tout du moins d'un pouvoir qu'il utilise à volonté. C’est la danse heurtée et puissante que restitue Stéphane Bullion tressautant au moindre mouvement musical qui apporte du signifiant à la déraison sanguinaire que l’histoire a retenue. Caligula solitaire paranoïaque à l’extrême est incarné par une démarche parfois voutée, un œil sournois, une colère, une violence qui semblent toujours contenues. Car Caligula ne trucide pas à tour de bras, il torture par son emprise psychologique. Il fait peur par l’imprédictibilité de son caractère et de ses idées. Il impose la terreur sur scène par sa seule présence et met mal à l’aise le spectateur qui voudrait le voir voler, le voir resplendissant dans ses arabesques, le voir lâcher une puissance qu’à l’inverse, il contient en permanence. Car Caligula est fébrile et malade, ses sauts sont rugueux, ses mouvements saccadés et parfois non terminés illustrant l’instabilité de l’empereur. Nicolas Le Riche a ainsi sacrifié la facilité et l’esthétique de la danse au profit d ‘une profondeur narrative inscrite dans les mouvements.

Stéphane Bullion

En parallèle, comme pour Caligula heureux par moment, Caligula absent, les yeux vers l’infini, Caligula curieux de la Lune ou des gestes de Mnester, Caligula rempli de bonheur serein avec son cheval, Caligula peureux, calculateur, méfiant, Caligula perdu: ce sont des sensations que Stéphane Bullion n’a aucune peine à déployer à travers ses regards et ses attitudes corporelles, ce dos rond, ce cou rentré pour illustrer la méfiance ou tendu à l’extrême pour se donner à la Lune. La perfidie de l’empereur, ces larges sauts pour assener sa puissance un instant et se contenir le suivant, ce regard innocent puis menaçant envers la Lune.

Stéphane Bullion - Clairemarie Osta

Autour de Caligula gravitent donc les personnages réels ou irréels, objets de fantasmes ou de menaces. Si Nicolas Le Riche semble avoir voulu renforcer la présence de Caesonia sur scène dans cette nouvelle version en lui offrant une introduction brève mais impressionnante, il ne lui donne pas de rôle plus important dans la narration et sa disparition furtive à la suite de l’empereur après le spectacle de Mnester laisse un des rares goûts de regret dans la construction du ballet. Peut-être a-t-il voulu ainsi marquer l’infortune de l’empereur qui aspirait à l’amour absolu et irréel de la Lune et devait se contenter d’une épouse terrestre, la quatrième, signe de son insatisfaction et offrir ainsi un contrepoint à la magnifique apparition rêvée de Caligula.

Stéphane Bullion - Clairemarie Osta

Clairemarie Osta dans ce rôle immatériel de la Lune a réussi à suggérer la fugacité et l’irréel des visions de Caligula. Elle est l’illustration parfaite de l’éclosion de la petite boule intouchable que l’immense Caligula/Bullion évoque entre ses mains et la confrontation des deux danseurs est une des parties les plus magiques de la chorégraphie. Celle-ci dévoile des pas de deux originaux qui ne reposent pas sur le contact entre les danseurs. La rencontre étant irréelle, ils se complètent et s'électrisent, jeu de chasse et de fuites. En apparaissant dans le monde de Caligula, Clairemarie Osta ne descend pas sur terre vers l’empereur, elle élève Stéphane Bullion avec elle dans une sphère en apesanteur. Il relève le défi et s’immisce alors un instant dans la transparence de son rêve. Sa danse adopte la texture de celle de la Lune, légère et fugace. Caligula hallucine et le spectateur souffre de voir cette rencontre impossible. De faibles lumières rasantes et latérales allègent l’atmosphère en créant une bulle élastique dans laquelle les danseurs évoluent.

Stéphane Bullion - Muriel Zusperreguy

Muriel Zusperreguy donne au rôle une teneur plus palpable et plus chaleureuse au mirage, une sorte d’attraction qui tire Caligula vers elle alors que Clairemarie Osta ne semble jamais être à sa portée. Elle donne un peu d’humanité avec une sensualité extrême qui transcende son interlocuteur mais contracte un peu la magie des moments de ses apparitions. Laëtitia Pujol semble plus à la peine pour comprendre le personnage qu’elle danse, à l’image de son Caligula, de manière trop académique, asséchant le propos.

Stéphane Bullion

Sur terre, Caligula voue à Mnester, l’admiration qui le perdra, puisqu’assassiné, dit-on, en allant à une de ses représentations. Rythmant à distance le ballet de ses prémonitions pour prendre à son tour un rôle actif en sortant de sa mise en abyme, l’acteur-pantomime adoré de l’empereur s’installe en icône dans le ballet de Nicolas Le Riche. Si la mise en scène de ses interventions le singularise, il adopte aussi une chorégraphie ancrée dans le tranchant et la gravité. Tout de blanc vêtu, il est le commentateur de la noirceur du règne, augure impitoyable des illustrations contrastées que présente l’ensemble de ses prédictions ou son regard étrange sur les événements.

Mnester et les trois figures
Stéphane Bullion, Alexandre Carniato, Samuel Murez, Erwan Le Roux

Subrepticement, les mouvements évoquent les personnages tout en gardant une identité propre dans le style. La danse est acérée et terrienne, géométrique et tranchante, reprise en écho ou mise en valeur par les trois figures. Chaque intervention pèse sur le cours de l’histoire et contribue, par sa teneur posée et son aspect incantatoire comme une évocation en noir et blanc dans un univers coloré, à contraster la réalité de l’histoire racontée. Parce qu’il incarne, seul ou avec ses figures, un style contemporain bien délimité par la musique électro-acoustique de Louis Dandrel appuyée par les projections vidéos, Mnester offre un contrepoint fort à Caligula, le miroir de sa part de mystère.

Stéphane Bullion

Lorsqu’il fait face à l’empereur, Stéphane Bullion écrase l’enfant immature et naïf de Mathieu Ganio. Dans ses interventions à l’avant-scène, son autorité dans la chorégraphie et la profondeur de son regard font de Mnester un leader charismatique plutôt inquiétant dans le pur style millénariste alors qu’il se révèle intouchable lorsqu’il officie dans son ultime représentation pour le public de la Cour. Il devient alors l’incarnation du dieu que Caligula prétend être, intouchable et inviolable, le possesseur de l'avenir, distance du maître à l’élève, révélant l’inanité de l’empereur de Mathieu Ganio. En s’emparant de Mnester comme une bête de scène en forme de rouleau compresseur, à la fois puissant et énigmatique, Stéphane Bullion présente un contrepied -sans doute nécessaire à son art- à sa vision d’un Caligula complexe, dominateur physiquement mais fragile psychologiquement dans l’autre distribution et illustre pleinement la position supérieure de la condition de mime dans la Rome impériale.
Nicolas Paul face à Stéphane Bullion dessine un Mnester moins fort et plus mesuré, plus théâtral, d’évidence objet d’amour et de curiosité. Le rapport entre les deux hommes est tout autre dans la confrontation. Rapide et précis dans ses interventions prémonitoires, il se fait objet de désir dans son court dialogue avec Caligula, comme un miroir masculin de la Lune dans ses évolutions impalpables. La distance est alors une forme de respect de l’empereur à l’acteur admiré et non plus une impression de domination et de renonciation.

Nicolas Paul

Que ce soit la Lune ou Mnester, Caligula est en perpétuelle recherche. Cette quête de l’inconnu se concrétise également dans son rapport à Incitatus, son cheval. Mais à la différence de La Lune rêvée ou de Mnester intouchable, Caligula domine Incitatus. Son regard d’amour est plein de maîtrise et le manège, s’il représente un moment de poésie dans le ballet, semble bien incongru dans la progression de l’histoire, si ce n’est qu’Incitatus est presque le seul à regarder sans juger Caligula.

En opposition à ses amours, la Cour offre une danse caractérisée par son agressivité tout en gardant l’élégance de la noblesse d’état qu’elle représente dans des ensembles clairs et distincts. Les sénateurs de noir vêtus opposent une danse aérienne à celle terrienne des suivantes dorées.

Chaerea, vieux sénateur dont Caligula aimait à se moquer, fait figure ici de meneur d’une révolte collective, une révolution de palais où les courtisans, las de l’imprédictibilité de l’empereur, de son extrême impudence, vont se résoudre à s’en débarrasser.

La Cour menée par Yann Saïz et Aurélien Houette

Les éclairages chaleureux et les tenues dorées des femmes soutiennent une agitation perpétuelle dans une cour vaine. Les fastes et le dynamisme de la Rome impériale s’incarnent dans un corps de ballet soudé qui externalise son inutilité, voire son désœuvrement par une chorégraphie répétitive et faussement acérée, visuellement diablement efficace. Les sénateurs, portent un costume près du corps qui les délimite sur le fond clair de la scène dans les airs comme des couteaux maniés à vide lors de leurs multiples évolutions de groupe, souvent soutenues par des mouvements du bas de corps très précis, dans les jetés ou les autres sauts aux poses très marqués. C’est aussi ce bouillonnement qui fait ressortir la singularité des interventions de Caligula, posées dans les moments où il participe à la fête, violentes et précises lorsqu’il n’était pas invité. En dressant ce portrait du décadent au quotidien, Nicolas Le Riche rajoute de l’ambigüité au portrait de l’empereur, et si le spectateur n’est pas appelé à aimer Caligula, il n’est pas découragé à détester Chaerea et les comploteurs.

Stéphane Bullion - Aurélien Houette

Trois "physiques" se sont appropriés le rôle avec autorité, Aurélien Houette s’imposant par sa force et sa capacité de proposer une opposition raisonnable à la carrure de Stéphane Bullion, en particulier lors de la crise d’épilepsie. Adrien Couvez a su ajouter juste ce qu’il faut dans l’interprétation pour présenter un aigri naturel dans le cours du ballet. Yann Saïz avait la tâche plus difficile d’imposer un faible à travers sa silhouette interminable dominant tous les danseurs sur scène, mais comme Adrien Couvez avait sorti ses tripes pour dominer, Yann Saïz s’est intériorisé pour montrer une souffrance plus sincère que le personnage spontanément calculateur d’Aurélien Houette.

Stéphane Bullion

La tonalité générale du ballet de Nicolas Le Riche dresse une peinture sans complaisance mais aussi sans outrance de la vie de Caligula. En se reposant sur la danse riche, sincère et réaliste de Stéphane Bullion, toujours émotionnel dans ses réserves comme dans ses emportements, il évite les excès et les bavardages superflus, allant directement à l’essentiel tout en offrant une texture riche, maintenant l’ensemble de son histoire par de légères touches expressives et marquantes qui surfent sur la musique de Vivaldi travaillée avec poigne par Frédéric Laroque. Un beau ballet minutieusement pensé et réalisé avec talent.

Stéphane Bullion

Dérision

2011-02-16T13:21:00.000-08:00

Caligula - Stéphane Bullion

Mnester

2011-02-02T23:42:00.000-08:00

Stéphane Bullion en Mnester

Caligula 31 janvier - 24 février 2011

2011-01-31T23:07:00.000-08:00

La description synoptique du ballet se trouve dans l'entrée sur le ballet de 2008 : Caligula

Stéphane Bullion

Caligula
Ballet en cinq actes
Argument - Nicolas Le Riche et Guillaume Gallienne
Musique - Antonio Vivaldi Les Quatre saisons (édition critique de Paul Everett et Michael Talbot)
Création électroacoustique - Louis Dandrel
Chorégraphie - Nicolas Le Riche
Dramaturgie - Guillaume Gallienne
Scénographie - Daniel Jeanneteau
Vidéo - Raymonde Couvreu
Costumes - Olivier Bériot
Lumières - Dominique Bruguière
Orchestre de l'Opéra national de Paris
Direction musicale et violon solo - Frédéric Laroque
Ballet créé pour le Ballet de l'Opéra de Paris le 21 octobre 2005

Stéphane Bullion

Distribution de la Première, 31 janvier 2011

Caligula, empereur de Rome - Stéphane Bullion
La Lune, vision de Caligula - Clairemarie Osta
Mnester, pantomime - Nicolas Paul
Chaerea, sénateur - Aurélien Houette
Incitatus, cheval de Caligula - Mathias Heymann
Caesonia, épouse de Caligula - Eleonora Abbagnato

Stéphane Bullion - Clairemarie Osta

Nouvelle reprise de Caligula qui d’entrée lors de cette Première instaure le thème de la souffrance et de l’incompréhension à travers le portrait que présente Stéphane Bullion du côté humain de l’empereur. Caligula est différent des autres et promène sa différence et son contact inabouti aux personnages qu’il fréquente, les suivants et sénateurs avec qui il essaie au début de donner le change et rapidement, une vision de l’étrange s’impose comme un anachronique de profundis. Dans son personnage, Stéphane Bullion restitue merveilleusement la contradiction de l’être qui tue ses désirs et qui s’engage dans une fuite vers l’avant. Ici, elle se fait par rupture et le laisse étranger à la scène de la vie.

Stéphane Bullion - Clairemarie Osta

Stéphane Bullion ouvre ses yeux, regarde avec insistance, rit parfois d’où il est et de ce qu’il ressent, bref contact avec la réalité mais c’est la fuite dans le rêve avec La Lune, l’insolite avec son cheval et l’accomplissement personnel avec Mnester qui momentanément donne un sens à son existence, alors que les contacts avec les sénateurs et ses suivants ne sont que lassitude et problèmes.
Diaphane et fugitive, Clairemarie Osta incarne une Lune de désir, un idéal de mystère qu’il veut percer et qui révèle la teneur de ses souffrances. Personne en quête, tour à tour émerveillé puis agacé, il n’a de ressource que de tuer cet être immatériel qui le renvoie à l’inaccessible à l’inverse de son cheval Incitatus.

Stéphane Bullion - Nicolas Paul

Dans sa fascination pour Mnester, le pantomime, il retrouve le caractère impalpable de l’irréel mais aussi du jeu, sans cesse recommencé de l’acteur qui évolue dans un monde factice.

La connexion parfaite avec le Mnester de Nicolas Paul a sans doute bénéficié ici de la lecture que Stéphane Bullion va présenter lui même de Mnester dans une autre distribution.

Le duo entre les deux hommes est magique. Alors que La Lune n’est que fugacité et touche impressionniste, Mnester est le symbole du temps qui s’arrête, du possible, de l’ouverture vers la connaissance de soi, l'incarnation de l'accomplissement.

Avec ses trois interlocuteurs de l’étrange, Caligula se démarque fortement des intrigues romaines et la mort le saisit dans une réalité qu’il fuyait. Touché à mort, il retombe sur terre et montre l’ampleur de son incompréhension. Alors que Nicolas Le Riche semble avoir bridé ses pas tout au long du ballet comme s’il voulait montrer le malaise ou l’incongruité de Caligula, il écrit dans ces dernières minutes, un solo d’une violence inouïe que Stéphane Bullion porte au paroxysme dans une opposition presque impossible entre un corps à la puissance démultipliée et un visage terrorisé et malheureux qui restitue la fragilité de l’homme affrontant la mort. En quelques minutes, le retour sur sa brève vie, la grandeur, le regard sur les autres, le rire sur soi, l’incompréhension, l’agressivité, la souffrance, la peine…

Stéphane Bullion